Bienvenidos una vez más a este nuestro blog de Joróbate Flanders! Durante estas últimas semanas del auge y (no) caída del asteroide 2024 YR4 hemos tenido la excesivamente tardía secuela del Hulk de Marvel en forma de una incomprendida cuarta película del Capitán América donde Sam Wilson (Anthony Mackie) asume finalmente el gigantesco legado de su buen amigo Steve Rogers (Chris Evans) , se ha presentado el trailer de la T2 de Andor (la serie de Star Wars precuela de la película Rogue One) , y los doblajes con IA parecen estar cerca de ser una preocupante realidad.

Pero hoy no hablaremos de todo esto, sino del polarizante final que ha tenido Dragon Ball Daima, el anime póstumo del fallecido hace ya un año Akira Toriyama. Como la serie de momento solo ha sido distribuida en nuestro país en VOS en plataformas como Crunchyroll o Netflix (y determinados comentarios de algunos de los actores de doblaje parecen sugerir que este retraso se debería a un cambio de ciudad y reparto, pero ese es otro tema) y por tanto habrá no pocos fans que hayan preferido esperar para verla, aviso desde ya de SPOILERS, así que os dejamos con esta curiosa actuación de Kylie Minogue en Antena 3.

Corrían las navidades de 1997 cuando en el especial "Mangas & videogames" de Hobby Consolas, donde se podían leer las mejores obras del segundo concurso de manga de la veterana revista de videojuegos, una magnífica ilustración del personaje de Son Goku me sorprendió enormemente: resulta que después del super saiyan 3 (o "mega guerrero", como se le conocía erróneamente por entonces) que la mayoría de nuestra generación conocimos en España gracias a la película Fusión, había una supuesta cuarta transformación que desconocía por completo.

A lo largo de los meses posteriores, a base de reportajes y cartas varias en las grapas de la serie amarilla y azul (así como reediciones que de vez en cuando iban llegando a los kioskos de la anterior serie roja) fui descubriendo de donde había salido esto.

Una vez que en 1996 había terminado la emisión en Japón de Dragon Ball Z (en tanto el doblaje castellano llevaba ya más de 2 años estancado en la saga de Cell) , había empezado de inmediato una continuación que esta vez sería exclusiva de Toei para televisión, y sin supervisión de Toriyama más allá de algún diseño de personajes y varias ilustraciones promocionales. 

Dragon Ball GT (supuestas siglas de Great Touring, "el gran viaje") prometía recuperar el espíritu de la añorada por muchos primera serie, con una trama en la que Goku había sido retrocedido de forma accidental a su infancia por Pilaf, Shu y Mai usando las desconocidas y más peligrosas bolas de dragón originales de estrella negra que creó Kamisama cuando aún no se había separado de Piccolo Daimaoh, y además de extenderse no por la Tierra sino por todo el universo, si no se encuentran en un año, sería destruido el planeta en que se utilizaron, por lo que el héroe saiyan debe viajar junto a Trunks, Pan (la hija de Gohan y Videl) y el robot Giru (que, en el forzoso primer aterrizaje, se come el radar del dragón para recargar sus baterías) en la nave "Tako" de Bulma para encontrarlas.

Tras muchos rumores y preguntas sobre cuando y como se iba a emitir la serie en España (incluido, como era habitual, el típico invent man que te aseguraba en el patio del colegio que ya la había visto) por fin en los intermedios del final de la saga de Cell en verano de 1998 en el Club Megatrix de A3 veíamos este anuncio: cada 3 semanas, Manga Films (quien ya había distribuido las películas y los dos especiales de televisión de Z) lanzaría un nuevo VHS con 3 capítulos en cada cinta.

Como ya sabemos, DBGT no tuvo demasiada acogida en su día, terminando el 19 de noviembre de 1997 con tan solo 64 episodios y otro especial (donde conocíamos 100 años después a Goku Jr, el tataranieto de Pan), y en junio de 2015 (tras dos películas previas) se estrenaba (de nuevo con Toriyama junto con Toyotaro, autor del manga fan DB AF) Dragon Ball Super, que sería una nueva visión de los 10 años transcurridos entre la derrota del malvado Majin Bu y el torneo 28º de artes marciales donde Goku decide entrenar a Ub, el niño que se reencarnó del monstruo heredando su enorme ki, dando la serie anterior por descartada dentro del canon. ¿O no?

Como también ha venido ocurriendo con las precuelas de Star Wars, las generaciones que en su día se criaron con GT la han ido reivindicando, y, junto a la habitual presencia en videojuegos de Goku super saiyan 4 o villanos como Ih Shinron (el dragón malvado surgido de la corrupción de las bolas de dragón por su excesivo uso, trama extraída de un comentario casual del viejo Kaioshin cuando resucitaron a todas las víctimas de Bu) y el tsufur Baby (el único superviviente de la inteligente raza que habitaba el planeta Vegeta o Plant antes de ser invadidos por los saiyans) , los rumores, bien de una película o una continuación, habían sido constantes a lo largo de esta década de nuevos proyectos, sin que fueran confirmados o desmentidos. Y entonces, en 2023 se presentaba este intrigante trailer en el contexto del 40 aniversario de la primera publicación en Shonen Jump el siguiente año.

El hecho ya de por sí importante de que por fin conociéramos un lore tan poco desarrollado como es el mundo de los demonios que lideraba Dabra hasta ser poseido por el mago Babidi quedaba de forma inevitable eclipsado por el hecho de ver a Goku y todos sus familiares y amigos convertidos en niños, subiendo la apuesta de GT, ahora sí, de forma "oficial". 

Pero esto no se ha quedado aquí, ya que los paralelismos a lo largo de este breve pero intenso anime de 20 episodios han sido constantes, desde el equipo que forma Goku junto al agente doble Glorio y la octogenaria adolescente Panzy (que vendrían a ser la contrapartida de Trunks y Pan) a la estructura dictatorial de los 3 mundos demoniacos que gobierna el villano principal Gomah (siendo el más duro el último de ellos) similar al planeta de mercaderes de Immegga. Y, sobre todo, Goku una vez más había ocultado una nueva transformación conseguida mediante duros entrenamientos.

Después de que el misterioso anciano namekiano Neva hiciera a un agotado Goku recuperar sus fuerzas en la pelea contra un Gomah al que el oculus terciano o "tercer ojo" le otorga un ki ilimitado, volvíamos a ver después de casi 30 años en televisión al super saiyan 4, en un impactante rediseño a medio camino con la breve fusión con Vegeta del episodio 60 de GT.

Por supuesto, ahora surge la gran pregunta: ¿como encajan en Super detalles como este o que Vegeta conozca (aunque se niegue a llamarlo así) el super saiyan 3 que hasta ahora solo habíamos visto en el Raging Blast 2? Vayamos por partes.

Lo primero, hay que dejar claro que no es cierto que DB Super haya quedado fuera del canon como algunos temen y otros desean, ya que en un episodio se menciona un detalle clave, y es la existencia de 12 universos con sus respectivos dioses, siendo el séptimo donde ocurren las aventuras de nuestros protagonistas, además de un tal Rymus que, aunque con un diseño algo diferente (que puede deberse a que nunca le habían visto) bien podría ser Zeno Sama, el "Dios de todo", o su equivalente de la creación.

Pero, supongamos que nada de esto es importante. Que un día Toyotaro retoma sin más el manga de Super (ojalá que por fin con la continuación del anime, que permitiría ver por fin en Sparking Zero a personajes como Black Freezer, Granola, el hechicero genocida Moro o el "ultra ego" de Vegeta) sin que sepamos por qué no vimos tal o cual transformación, o que Shin y Kibito vuelvan a estar fusionados. Y, ¿realmente sería un problema?

Como podemos comprobar haciendo una relectura rápida, Toriyama nunca se caracterizó por un desarrollo a largo plazo, tirando más de improvisación que otra cosa. 

Por ejemplo, posiblemente nunca imaginó (aunque lo sugiriese Oolong en cierta ocasión) que el protagonista fuera un extraterrestre, siendo su cola y su transformación en mono gigante ohzaru tan solo uno más de tantos detalles pintorescos de un mundo donde vemos, como si de Bojack Horseman se tratara, a animales antropomórficos vivir entre humanos sin llamar lo más mínimo la atención (y alguno de ellos con poderes no menos inquietantes, como son el Rey conejo o Akkuman), y que uno de ellos sea el rey de todo el planeta, concepto este el de las 43 regiones a su vez que tampoco existía hasta la batalla contra Piccolo, como evidencia el curioso erróneo camuflaje que el ninja Murasaki utilizó para tratar de engañar a Goku.

En esta misma saga de la Red Ribbon se nos mencionaba que en la antigüedad existían muchas nubes Kinton hasta que desaparecieron por la creciente maldad en la Tierra para luego saber que hay una sola nube gigante en la torre de Karin, quien habría sido quien le regaló la suya a Kame Sennin o Mutenroshi, y no Kamisama como el anciano maestro inmortal dijo en su día, al que ni siquiera conoce hasta el 23º torneo, sin olvidar tramas exclusivas del anime como el falso creador del androide Nº8 o el propio supuesto origen de las bolas de dragón que Muten narra a Krilin y Lunch.

Mucho tiempo después, descubriríamos que Kamisama procedía del planeta Namek, y no tardaría en olvidarse la carta de sus padres en la extraña nave en la que llegó para explicarse que estos seres son asexuales y nacían de huevos puestos en la boca como hacía Piccolo Daimaoh, sin tener tampoco explicación de por qué este antagonista no tenía hijos namekianos sino criaturas monstruosas. Quizá por esto en Daima hemos sabido que la raza namekiana procede del segundo mundo demoniaco, con un clima idéntico al del planeta destruido por Freezer.

Y del tirano galáctico toca hablar ahora, ya que en La batalla de los dioses descubrimos que no destruyó el planeta Vegeta (solo) por odio y temor a los saiyans, sino que por encima de todo fue una misión del dios de la destrucción Lord Beerus, al que todavía ningún guerrero Z está todavía cerca de acercarse al que sea el límite de su poder, pese a que la primera vez que el anciano Kaioh Shin habló de como le encerró en la espada Z aseguró que no era más fuerte que Bu, del que ya no sabemos si siempre existió, si fue creado por Bibidi, o se hizo en el primer mundo demoniaco, quizá siguiendo órdenes de este.

Pero, como ya desarrollamos en el artículo sobre Vegeta, ningún arco es tan definitorio de esta contínua reinvención que hacía Toriyama como el de Cell. Un villano que ni siquiera estaba planificado en primer lugar hasta que, primero el ex-editor de Jump Kazuhiko Torishima (en quien se basó el Doctor Mashirito, el archienemigo de Sembei Norimaki en Dr.Slump) y posteriormente su sucesor Yu Kondo le obligaran a renunciar como enemigos principales a los androides Nº19 y el doctor Gero convertido a sí mismo en el 20 (a los que de hecho Trunks nombra como los que había destruido su mundo futuro) para que luego el hijo de Trunks y Bulma no los conozca porque en realidad eran los hermanos gemelos adolescentes Lapis y Lázuli o Nº17 y 18.

El propio origen de Cell resultaría de lo más inconsistente, empezando porque Trunks programase la máquina del tiempo (se especifica que se limitó a pulsar el botón de arranque) a un año antes de su primer viaje, en un momento en que estaba transcurriendo la saga de Freezer, o esa extraña frase del anime (sí, esta vez la traducción francesa acertó) de una supuesta predicción de Gero de que la Tierra quedaría destruida en 10 años. 

Y sí, ya sabéis qué viene ahora: Cell alegando que no se le podía matar mientras no fuera destruido un órgano regenerativo que tiene en la cabeza, obviando que Goku le había arrasado con un kame hame ha de centura hacia arriba, lo que se intentó arreglar en una misión secundaria del ARPG de mundo abierto DBZ Kakarot en la que es resucitado con las bolas de dragón, contestando el bioandroide cuando es interrogado sobre el asunto "¿qué te hace pensar que revelaría una información así?". También resulta un tanto confuso que de repente recupere (con más poder) el estado perfecto pese a no tener ya en su interior a la androide 18.

Queda claro pues, que, como pasa con Marvel y las continuas desapariciones y regresos de ciertos personajes como la mutante Jean Grey, en Dragon Ball nunca ha existido un verdadero canon. Lo importante es que nos sepa dar un buen entretenimiento, y, con algunos altibajos, Daima lo ha conseguido con creces.

¿Qué os ha parecido Dragon Ball Daima? ¿Se os ocurren más incoherencias? Como siempre, podéis poner todo esto en los comentarios.

¡Bienvenidos de nuevo! Aunque nos cueste sacar tiempo para actualizaciones tan periódicas como antes con nuestros hilos en Twitter y Bluesky, no nos olvidamos de los fieles lectores del blog de Joróbate Flanders.

Este mes desde las Navidades ha sido muy intenso. Mientras Mufasa y Sonic 3 (confirmada ya la cuarta parte, que por datos filtrados sobre el personaje de Amy que vimos por vez primera en la escena postcréditos parece intuir una trama de viajes en el tiempo a lo Sonic CD) se disputaban la taquilla internacional, tuvimos en Disney+ el primer episodio como tal de Los Simpson (y no los meros cortos cada vez más promocionales vistos hasta ahora) estrenado exclusivamente para streaming, y se presentó el primer trailer de la cuarta versión cinematográfica (o tercera, si consideramos que Returns pretendía ser una continuación de la saga de Christopher Reeve) de Superman, que dirigirá James Gunn (Guardianes de la galaxia) y protagonizará David Corenswet.

Y entonces, ensimismados como estábamos en nuestros habituales debates del día a día (Broncano VS Motos, el fútbol, si de verdad Fuze Tea sabe como el Nestea...) el pasado día 16, así como quien presenta una caja de cartón de 80 pavinis o la enésima suscripción online, Nintendo puso de golpe y porrazo un trailer en Youtube que hizo enloquecer al mundo de los videojuegos. Por fin llegaba la pata que faltaba en la novena generación.

Con un nombre que en el fondo sorprende por lo obvio y conservador que resultaba el ser elegido, no tenemos todavía a día de hoy demasiada información real sobre Switch 2, más allá de una pantalla más grande, unos nuevos Joy-con que ahora se conectan a la consola mediante imanes, y la inesperada primera imagen que confirmaría por fin un Mario Kart 9 que, al estilo de los F-Zero, doblaría la apuesta pasando de 12 a 24 pilotos en pista, garantizando unas carreras más locas que nunca.

Hay quien se ha quedado con ganas de más en esta primera impresión, y posiblemente no les falte razón. Tan cierto como que ese siempre fue el estilo de Nintendo. Mientras que ahora el mero naming de "Switch 2" es tan garantía de éxito como en su día Playstation 2 sentenció a SEGA y su Dreamcast por el mero hecho de existir pese a su año de ventaja, hace 10 años las cosas eran bien distintas.

En un escenario de casi monopolio de facto de Sony por el fracaso de Wii U y los tumbos iniciales de Microsoft con Xbox One, Satoru Iwata hacía en marzo de 2015 la que sería su última aparición pública. Además de presentar la incursión de la "gran N" en los dispositivos móviles (que no ha sido tan grande como cabía esperar entonces, pero sí de lo más interesante) anunció lo que entonces se llamaba en clave "NX" emplazando para el E3... del siguiente año.

Los rumores fueron de todo tipo, pero desde el principio se intuía que aquel nuevo invento, aquel "todo o nada", sería una evolución de lo que se había quedado a medio camino en la incomprendida sucesora de la muy exitosa Wii y su "mando tablet". Un sistema híbrido con el que ser a la vez el comodín de los usuarios de consolas de sobremesa y seguir reinando en las portátiles como ya se hacía desde el lejano 1989 con Game Boy.

El secretismo también fue la seña de identidad en los tiempos en que la política de Nintendo era opuesta a la de ahora, el de aspirar a "bestias" que fueran "tecnológicamente superiores". Así, desde 1993, mientras SNES y Mega Drive disputaban la guerra de los 16 bits, y tras romper con Sony su acuerdo para desarrollar un addon de juegos CD que ya entonces se iba a llamar Playstation, fueron administrando muy a cuentagotas la información del "Project Reality" que estaban desarrollando con Silicon Graphics. Una consola que sería sobre el papel más potente que PSX o SEGA Saturn y que además tendría un precio de lanzamiento más reducido.

De los muchos errores que se cometieron con Nintendo 64 como el del cartucho ya se ha hablado largo y tendido, y aunque en el mercado estadounidense pudieron salvar los muebles (gracias sobre todo al éxito de los títulos de Rare como Goldeneye o Banjo Kazooie entre otros) en Japón y Europa la respuesta fue menos entusiasta, quedando en unas 32 millones de unidades vendidas, por encima de su antigua rival SEGA pero muy lejos de las 100 de Sony.

Tocaba pensar en el futuro, y en 1999 ya se anunciaba la colaboración con IBM y Panasonic para una nueva consola que en ese momento se llamaba "Dolphin" (como ya había insinuado Rare a través del crossover de su antiguo personaje Sabre Wulf en Banjo Tooie) y no fue hasta bien entrado el 2000 cuando por fin se pudo ver como tal Game Cube (junto con, por fin, la sucesora de Game Boy, Game Boy Advance) en su extinta feria interna Space World en Japón junto con unos pocos juegos en fase muy inicial, varios de los cuales jamás verían como tal la luz.

Aunque esta vez sí se adoptó un formato óptico (aunque, de nuevo, fiel a su estilo, con mini DVDs propios) Game Cube posiblemente fue víctima del pasado de la propia compañía, y salió demasiado tarde, con PS2 más que asentada (y habiendo reducido considerablemente ya su desorbitado precio inicial) y con Microsoft a punto de irrumpir con la primera Xbox. 

El inicial entusiasmo de las third parties (especialmente sensacional fue el anuncio por parte se Capcom de la exclusividad temporal de la franquicia Resident Evil) no tardaría pues en caer, y las ventas se quedaron en unas muy exiguas 21 millones de unidades.

Ahora ha quedado para la historia el como Nintendo comprendió que era imposible competir en la guerra tecnológica, y que con Wii y Nintendo DS decidieron explorar nuevos mercados. Pero ver el panel del E3 (sí, ese en el que el bueno de Reggie quería patear traseros) de 2004 hoy en día (que, gracias a la gente de Blogtendo, tenéis traducido al castellano en Youtube) ofrece una lectura muy diferente por parte de la compañía.

Sí, ya se hablaba de una "revolución" (Revolution era el nombre en clave de la siguiente consola) pero a la vez no se atrevían a jubilar la marca Game Boy, siendo NDS considerado "un tercer pilar", e incluso parecían querer aparentar que a Game Cube todavía le quedaba más cuerda de lo que realmente tenía, con la presentación de Twilight Princess, que aún tardaría mucho en confirmarse también en Wii. 

Ya fuera porque no se fiaban del todo de lo que se estaba preparando y no querían cerrarse la puerta a intentar de nuevo competir en igualdad de condiciones con Playstation 3 y Xbox 360, o porque no querían decir más de la cuenta por si el "casual game" no era bien recibido de entrada, el caso es que, de nuevo, sabíamos más bien poco.

Así pues, guste más o menos, Nintendo siempre ha anunciado igual sus consolas. Unas veces mejor y otras peor, nunca cambiará, y les deseamos desde aquí toda la suerte del mundo. Los jugones lo agradeceremos. Como siempre, podéis opinar en los comentarios.

¡Hola de nuevo! Tras nuestro parón por el puente de la Constitución, regresamos un sábado más a nuestro blog de Joróbate Flanders. No hablaremos en esta ocasión del ya confirmado final del universo de villanos de Spiderman de Sony tras Kraven el cazador, ni de la consumación una vez más por parte de la compañía nipona del milagro de los panes y las PS2, sino de uno de los últimos estrenos de nuestros amienemigos del streaming, en este caso una plataforma de la que no habíamos comentado nada hasta ahora. Pero antes, retrocedamos a tiempos prepandémicos, al año 2019.

Antes incluso de estrenarse (sí, inaudito opinar de algo antes que verlo, jamás había pasado) ya se daba por hecho el enésimo fiasco en el siempre complicado subgénero de las películas basadas en videojuegos. 

Lejos de lo que pueda parecer hoy en día, no convencía que Jim Carrey fuese a ser el doctor Ivo Robotnik o Eggman en el que sería el salto al live action de Sonic, pero sobre todo no gustaba el un tanto feo diseño realista del erizo azul (con voz de Ben Schwartz en la VO) que supuso un nuevo fenómeno de review bombing en Youtube.

Con ya toda la maquinaria del marketing en marcha (lo que descartaría las siempre recurrentes teorías de la conspiración al respecto) Paramount Pictures decidió dar marcha atrás, moviendo el estreno que inicialmente estaba fijado en noviembre de 2019 a febrero de 2020 el estreno de Sonic: la película, con tal de darle un diseño más cercano al de los videojuegos (lo que supuso un sobrecoste de 5 millones de dólares) y, entonces, se hizo el milagro. Ahora de repente todo el mundo quería ver el primer live action de SEGA, convirtiéndose en el último gran éxito de taquilla anterior al confinamiento. Por supuesto, avisamos de que a partir de aquí habrá SPOILERS.

Mientras que el "Ugly Sonic" tuvo su particular arco de redención en forma de un divertido cameo en Chip y Chop: los guardianes rescatadores (estreno directo de Disney+) la pregunta ya no era si habría secuela, sino cuando. 

Apenas hubo que esperar a abril de 2022 para ver Sonic 2: la película, que incoporaba a la peculiar familia formada por el erizo y el matrimonio de Tom "Lord Bollo" (James Marsden) y Maddie Wachowski (Tika Sumpter) al zorro Miles "Tails" (Collen O´Shaughnessey) , ya brevemente aparecido en la escena postcréditos de la primera parte, y Knuckles el echidna (Idris Elba) quien, como ocurrió en el correspondiente videojuego, empieza siendo un enemigo de Sonic para posteriormente unirse a él tras descubrir que un completamente enloquecido Eggman (tras más de un año atrapado en el lejano planeta Champiñón) le ha utilizado para obtener la esmeralda maestra y así poder hacer invencibles a sus ya peligrosos drones militares.

Dentro de dos semanas (25 de diciembre) podremos ver la esperadísima ¿conclusión? de esta saga, con la incorporación de Keanu Reeves como el antihéroe Shadow, y el inesperado regreso del ya retirado Jim Carrey, en lo que será la primera vez en su carrera que aparezca en 3 entregas de una misma película. 

A la espera de esto, la plataforma Paramount+, estrenó el pasado 26 de abril los 6 primeros episodios de una serie televisiva spin off protagonizada por Knuckles, que en nuestro país han sido emitidos de forma escalonada por Sky Showtime (así como Movistar+, con quien mantiene un acuerdo desde finales de 2023) con 3 episodios el 3 de agosto, y los 3 restantes el 14 de septiembre. 

Knuckles arranca justo en el punto donde terminó Sonic 2, con el guerrero echidna siendo incapaz de adaptarse a su nueva vida pacífica en la Tierra. Tras una visión fantasmal de Pachacamac (Christopher Lloyd) el antiguo jefe de su tribu, Knuckles trata de entrenar a Wade Wipple (Adam Pally) el torpe ayudante de sheriff que ya conocimos en las películas de cara a un campeonato de bolos en Reno que le hará reencontrarse con Pete "Pistola" (Cary Elwes) su padre, que abandonó a su familia siendo Wade un niño para centrarse en su carrera deportiva.

La salida de Knuckles del pequeño pueblo de Green Hill llama la atención una vez más de la agencia militar GUN, y dos de sus agentes (interpretados por Ellie Taylor y Scott Mescudi) tratan de atraparlo por su cuenta a cambio de una generosa oferta de un nuevo villano simplemente conocido como "El comprador" (Rory McCann) un hasta ahora desconocido secuaz de Robotnik que intenta obtener el poder del echidna, uniéndose a su vez a la persecución Jack Sinclair (Julian Barratt) el capitán del ya ex-equipo de bolos de Wade que se gana la vida como cazarrecompensas.

¿Es imprescindible ver esta serie de cara a Sonic 3? En principio da la impresión de que no, siendo más una suerte de remake de la película original, repitiendo al pie de la letra gran parte de la estructura de la misma. Pero resulta de lo más divertida que ver, con una pareja que casi resulta tan carismática como la de Sonic y Lord Bollo, y unos secundarios a la altura.

También cabe destacar la BSO, con muchos buenos temas de los 80 y 90 ("melocotonazos", como se dice en el una vez más acertado doblaje español) recopilados en los CDs que compartían Wade y su padre, lo que en cierto modo hace recordar al "Awesome Mix" de Peter Quill (Chris Pratt) a lo largo de la saga de Guardianes de la galaxia.

Como siempre, podéis opinar en los comentarios.

¡Bienvenidos una semana más a nuestro blog de Joróbate Flanders! 

Hoy no hablaremos de como (esta vez sí) se está produciendo una importante migración de usuarios desde Twitter a la plataforma Bluesky (podéis seguirnos aquí) ni de la nueva cancelación por parte de Disney de una de las futuras películas de en este caso Star Wars, sino de un universo compartido que, sin ser tan conocido como los de Marvel (y el que a su vez se ha creado por sí mismo en torno a Spiderman) o el de DC, no por ello resulta menos amplio e interesante.

Todo empezó en las Navidades de 1995, en la serie que encabeza nuestro artículo. El 28 de diciembre de dicho año, tras la friolera de 169 episodios en apenas 4 años, se despedía Farmacia de guardia, la muy exitosa serie de Antonio Mercero para Antena 3 protagonizada por Lourdes Cano (Concha Cuetos) la dueña de la decimonónica farmacia que daba título a la serie con todo tipo de peculiares clientes.

Más allá del agridulce y emotivo final que aún hoy crea división de opiniones donde, tras una serie de pequeñas pero contínuas discusiones, su ex-marido Adolfo (Carlos Larrañaga) y ella deciden suspender su segundo matrimonio y seguir siendo buenos amigos, lo que aquí nos ocupa es el sorprendente cameo que teníamos durante el episodio: Nacho Martín (Emilio Aragón) , el doctor protagonista de la serie Médico de familia (de la competencia) llegaba de visita para felicitar a Lourdes siendo presentado así como un antiguo amigo de los Cano.

Posteriormente, sería en esta serie de Globomedia para Telecinco cuando, a lo largo de la quinta temporada (que se emitió entre septiembre y diciembre de 1997 con una espectacular media del 49% de share que jamás ha vuelto a ser superada por otra serie de televisión) se introdujo, tras la marcha de Ana Duato (quien interpretaba a Irene, la pareja hasta entonces del doctor Martín) como nuevo interés romántico al personaje de Clara Nadal, interpretada por Belén Rueda. 

Siendo que para entonces ya era un secreto a voces (aunque se habían grabado dos finales para evitar filtraciones) que aquella temporada acabaría por fin con la esperada boda entre Nacho y su cuñada Alicia (Lydia Bosch) aquella trama no tuvo demasiado recorrido, apareciendo en apenas 5 episodios, pero lo que entonces no sabíamos es que el personaje de Clara saltaría después al próximo estreno de T5, Periodistas, que fue otro enorme éxito con 9 temporadas, explicando años después la propia actriz que la serie ya estaba para entonces en preparación y por lo tanto no fue un "spin off" como se suele creer erróneamente. 

A su vez, su protagonista principal Luis Sanz (José Coronado) aparecería años después en Los Serrano reencontrándose con Rueda, si bien esto no debe considerarse canónico debido a su también controvertido final.

Este universo de Mediaset no pararía de crecer con el paso de los años. Así, en 7 vidas pudimos ver a Pedro Peña y Luis Barbero en sus entrañables papeles de (de nuevo) Médico de familia de respectivamente Manolo y Matías mirando una obra junto a un Paco Gimeno (Javier Cámara) que se había quedado sin empleo, o a los agentes Charlie (Juanjo Artero) y Ángela (Pilar Punzano) de El comisario arrestando a Aida (Carmen Machi) y Sole (Amparo Baró) tras irse sin pagar de un mercadillo donde ambas habían sido robadas en primer lugar.

A su vez, también el primero reaparecería (en el contexto de la celebración del 25º aniversario de la cadena) convertido en comisario en Granada en la segunda y última temporada del thriller El Príncipe, en tanto su antiguo jefe Gerardo Castilla a quien interpretaba Tito Valverde es ahora el encargado de la seguridad de la Casa Real que iba a visitar la ciudad.

También en A3 hemos visto diferentes crossovers. Así, los personajes de Pepa (Marisa Porcel) y Avelino (Pepe Ruiz) , una vez cancelado el programa de TVE1 Noche de fiesta (donde Alberto y Laura Caballero hicieron sus primeros pinitos guionizando los sketches de esta disfuncional pareja) aparecieron durante algún tiempo en el serial La sopa boba (que protagonizaba Lolita Flores) antes de protagonizar Escenas de matrimonio en T5. 

Un año después (nótese que en estos párrafos estamos hablando en todo momento de producciones de José Luis Moreno) se producirían crossovers cruzados entre Aquí no hay quien viva y A tortas con la vida, Juanjo Puigcorbé y Juanma Cifuentes en la primera, y Gemma Cuervo, Marivi Bilbao y Emma Penella en la segunda, lo que no les sirvió para reflotar las audiencias despidiéndose en la T2 en horario de madrugada. 

Y, ya con el cambio de cadena, vimos a Antonio Recio al final de la T1 de Chiringuito de Pepe para anunciar que la semana siguiente regresaba La que se avecina, algo que le valió a esta sitcom veraniega para ser TT esa noche. Así mismo, también vimos a varios de los entonces vecinos de Mirador de Montepinar residiendo temporalmente en la ficticia Peñafría, en lo que era ya el tercer personaje diferente que hacía Ángel Jodrá dentro de la serie de los hermanos Caballero. Pero esa es otra historia.

Por último, cabe mencionar que, en Torrente 3, vemos al corrupto ex-policía (Santiago Segura) intentando colocar a su hijo ilegítimo Pepito (Carlos Latre) en una desastrosa obra con muy injustas condiciones de trabajo y una nula seguridad. 

El capataz, amigo de Torrente, resulta ser nada más y nada menos que Benito Lopera (Carlos Iglesias) el introductor del gotelé en España, que, por lo que sea, se separó (temporalmente) de su socio de toda la vida estableciéndose por su cuenta.

Como siempre, podéis opinar sobre todo esto en los comentarios. Nos vemos en tres semanas.

¡Hola a todos! Tras nuestro descanso del puente de noviembre, volvemos un día más a nuestro blog de Joróbate Flanders, retomando otro de nuestros temas preferidos, Mortadelo y Filemón.

Aunque en principio la editorial Penguin y la familia Ibáñez parecen poco proclives a mantener la voluntad del fallecido autor de que la serie continúe con otros autores, esto no ha impedido que este haya sido un año de muchos lanzamientos, desde el muy exitoso album póstumo de los JJOO de París´24 a la nueva colección infantil "Mi primer Mortadelo y Filemón" (una puesta al día de aquellos Top Comic con que buena parte de la generación millenial descubrió a los agentes de la TIA) pasando por un recopilatorio sobre sus muy desconocidos comienzos en Bruguera.

A la espera de saber si por fin irán volviendo a las tiendas ciertos números de la colección Super Humor que hoy tienen una gran especulación a las espaldas como son los recopilatorios de las portadas de la revista Mortadelo, hoy volveremos a hablar de algunos de nuestros comics preferidos o que al menos consideramos que deberían tener un mayor reconocimiento (parte I aquí) . Empecemos:

Contra Jimmy el cachondo

En estos días se cumplen 10 años de la sexta y hasta el momento última incursión de Mortadelo y Filemón en la gran pantalla. Aunque volvía Javier Fesser a la dirección tras el enorme éxito de taquilla que fue la extraña pero divertida "La gran aventura...", esta vez no sería un live action (si bien volvió buena parte del reparto de entonces) sino una película de animación CGI a cargo de Ilion Animation (hoy absorbida por Skydance) creadores de Planet 51.

Al contrario que las películas anteriores (que en menor o mayor medida se basaban libremente en algún determinado comic pre-existente) Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo era una historia original en que el loco villano que da nombre a la historia, tras robar varias de sus cajas fuertes, trataba de hacer volar (literalmente, como si de un cohete se tratara) la sede de los Técnicos de Investigación Aeroterráquea, mientras que Filemón intenta evitar con uno de los inventos del profesor Bacterio que el temido fugado "Tronchamulas" (al que hizo que encerraran injustamente en prisión) que casualmente es el primo de Jimmy, le haga "el aquello".

Más allá del fracaso en taquilla (que puso un abrupto fin a un proyecto de "universo Bruguera" que incluía un spin off de Rompetechos y una adaptación del personaje de Josep Escobar Carpanta) y el culto posterior que ha surgido gracias a las reiteradas reposiciones del canal Clan y los memes tuiteros, si en su día Ibáñez cogió determinados elementos de "La gran aventura..." para hacer su propia versión de aquel mítico "La gran superproducción" de Superlópez (Jan) al que llamó "El estrellato" esta vez crearía a su propio Jimmy el cachondo.

Aunque en buena medida se mantiene el argumento central de la película (tratar de que Tronchamulas les lleve a la guarida de su primo Jimmy y así recuperar un documento de supuesto gran valor para el Superintendente Vicente Ruinez) incluyendo la peculiar relación paterno-filial del villano con el invidente Rompetechos, Ibáñez se toma en todo momento sus licencias, como acortar el onirico prólogo inicial a apenas una viñeta (que además está protagonizada por Mortadelo y no por Filemón) o convertir la "reversicina" (que volvía dócil y simpático a Tronchamulas) en un paralizador, además de la aparición de personajes que no salían en la película como el director general de la TIA o la dueña de la desastrosa "Pensión el calvario", siendo una muy interesante visión alternativa de esta gran película.

El tirano

A partir del éxito de los álbumes de Mundiales y Olimpiadas, se hizo cada vez más habitual que Ibáñez realizara historias centradas en la actualidad del momento, lo que no siempre ha envejecido demasiado bien pero que le daba una gran visibilidad no solo en medios especializados sino también en la prensa generalista. 

Uno de los títulos más destacados de este "subgénero" fue en 1999, año en que el ex-dictador chileno Augusto Pinochet estaba de plena actualidad por su arresto en Londres para ser juzgado en España por el juez Baltasar Garzón.

Así, en "El tirano" (revisión de "Objetivo: eliminar al Rana" con toques de "El sulfato atómico") los dos agentes (al ser los más prescindibles dentro de la organización) son enviados a la ficticia República de Chula para, infiltrados como guardaespaldas personales del dictador Antofagasto Panocho, conseguir deponerle, ideando todo tipo de atentados que solo les acaban afectando a ellos.

 

A mitad de comic, la historia da un giro de 180 grados cuando el Super ordena que Panocho sea protegido para llevarle ante el juez Calzón, y, como no podía ser de otra manera, es a partir de este momento cuando le hacen todo tipo de perrerías de forma accidental en un hospital donde se somete a un chequeo hasta (o eso creían) llevarle a la locura impidiéndole declarar. 

Tras el gran éxito que tuvo este álbum, Panocho posteriormente reaparecería en el mencionado "El estrellato" (lo que nos hace sospechar que, cuando vio la película, Ibáñez no debía recordar a Bruteztrausen, en quien en verdad está basado el villano Calimero al que interpretaba Paco Sagárzazu) y, liderando a otros enemigos de Mortadelo y Filemón, en el conmemorativo "Venganza cincuentona".

¡Rapto tremendo!

He aquí una de esas excepciones donde los habituales cameos de otros personajes pasan de lo meramente anecdótico para convertirse en crossovers en toda regla. 

El primero fue en 1981 Tete Cohete, que sirvió de presentación para el fallido personaje que empezó a publicar Ibáñez al año siguiente en la revista Pulgarcito, y 3 años después, Mortadelo y Filemón tenían que hacer equipo con el Botones Sacarino, único que puede identificar al terrorista que ha intentado atacar la sede del diario "El aullido vespertino" en que trabaja, en lo que fue el episodio piloto de la serie televisiva. 

Por supuesto, el personaje que más se ha prodigado en las páginas de Mortadelo y Filemón es Rompetechos, ya que Ibáñez nunca ocultó que era su preferido. 

De esta forma, ya había tenido ciertas dosis de protagonismo en "A la caza del cuadro" (donde deben infiltrarse en su casa en uno de los 10 capítulos que conforman el album) "El jurado popular" (siendo uno de los peculiares personajes a los que deben proteger antes de un juicio) "Sydney 2000" como parte del equipo olímpico español, o "Los cegatos" (una de las últimas historias cortas en 1991) donde es confundido con el cuñado del director general, un nuevo aspirante a agente al que Mortadelo y Filemón debían poner a prueba.

Así las cosas, 2 décadas después, de nuevo Ibáñez retomaba la idea de aquel "Testigo de cargo", rizando el rizo. Esta vez, el propio autor había sido secuestrado, y el único que puede encontrarle no es ni más ni menos que Rompetechos.

Tras crear el caos en diferentes lugares como un conservatorio musical, un bar, o poner a Rompetechos al volante de un SEAT 600, la investigación acabará conduciendo a los dos agentes a la propia sede de Ediciones B, con un inesperado final que no spoilearé.

Como siempre, podéis sugerir otros comics en los comentarios.

¡Hola a todos! En efecto, por fin llegamos a nuestro primer Comprador de Springfield de la temporada, nuestro espacio de noticias y opinión en Joróbate Flanders.

No, no hablaremos del inesperado éxito de La revuelta (convertido en el primer rival serio que tiene Pablo Motos y su Hormiguero en más de una década) , ni de la nueva separación de La oreja de Van Gogh, lo cual no tendría sentido porque ni siquiera este es un blog de música.

Hoy volvemos al debate del streaming, y más concretamente de como, con el paso de los años, las políticas han ido cada vez a peor para el usuario. Empecemos:

Aunque parece que sea una creación reciente, lo cierto es que Netflix cumplirá el próximo 2025 10 años de presencia en España. 

Por fin teníamos lo que tanto pedíamos: un servicio que a un precio asequible que permitiera ver un gran número de series y películas pudiendo prescindir de una piratería en ese momento suponía o grabaciones del propio cine con todo lo que eso conllevaba (¿recordáis los screeners? ¡ah, los 80!) o, en el caso de las series, capturas de la televisión con sus respectivas "moscas", cortes bruscos donde irían las pausas publicitarias, y fansubs de cuestionable fiabilidad.

Desde el principio, surgieron las cuentas compartidas gracias a la opción de elegir el número de pantallas y calidad según la tarifa, y aunque se pueda objetar no sin razón que esta práctica siempre estuvo en el limbo de la "alegalidad", lo cierto es que la propia plataforma era la primera que no solo hacía la vista gorda en vista del beneficio que recibían, sino que además lo promovía abiertamente desde sus perfiles de Twitter.

Después de unos primeros años donde una gran parte de la producción audiovisual (y no solo sus muchas exclusividades) estuvieron concentradas en Netflix, pronto llegaría la inevitable competencia. Prime Video, HBO (hoy Max), Disney+... de pronto tenías que ir cambiando de una a otra si querías estar al día de unas series que por otro lado iban pasando de emitirse cada 6 meses-un año como era lo habitual a poco menos que superproducciones de Hollywood divididas por capítulos que tardan dos o más años en estrenarse, si es que no la cancelan sin más y la borran de la existencia sin ni siquiera lanzarla en formato físico.

Más allá de la antigüedad de este famoso meme y de que varias de esas plataformas no han llegado nunca a nuestro país, lo cierto es que en efecto la piratería nunca se fue de nuestras vidas, sino que por el contrario ahora contaban desde el principio con la propia fuente para poder conseguir descargas en 1080 o inclusive 4K con idéntica calidad a la que ofrece el streaming.

Así, durante la pandemia ya vivimos un primer fenómeno masivo de descargas cuando, Warner en EEUU, y Disney a nivel internacional, pretendieron prescindir de los cines o al menos tenerlos como segunda opción, con grandes estrenos de la talla de Space Jam: nuevas leyendas, Wonder Woman 1984, Viuda negra, Cruella, etc, directos al streaming, que en el caso de Disney suponía un alquiler premium aparte de 21€. Ni qué decir que todas ellas fueron importantes fracasos económicos en todos los soportes, aunque en un principio estos aseguraran estar satisfechos con el rendimiento del live action de Mulán con el que pretendían desembarcar a lo grande en el mercado chino.

Y, mientras la oferta seguía fragmentándose (lo que no impide no obstante que haya no pocas películas fuera del mainstream que no se pueden encontrar en ninguna plataforma) y los precios iban subiendo cada vez más, en 2023 llegó la noticia que muchos quisimos creer en un momento que sería algo puntual: 

Netflix habia decidido empezar a poner coto a las cuentas compartidas, y lo que es peor, a poner planes que incluyeran pausas publicitarias, lo cual, lejos de perjudicarles como cabía esperar, les ha dado si cabe más beneficios, por lo que Disney+ es la siguiente que se ha unido a estas nuevas políticas, y yendo un paso más allá en el caso de la publicidad abriendo la posibilidad futura de incluirla en todas sus ofertas, como si de Pluto TV se tratara.

¡Bienvenidos a la tele que salvó de la cancelación a La casa de papel!

¿Cual será el siguiente paso? Disney habló la pasada primavera de la posibilidad de incluir canales temáticos sobre Star Wars, Los Simpson, y demás franquicias. Lo normal sería pensar que simplemente se trataría de canales FAST opcionales como los que ya existen en plataformas como RTVE Play, Atresplayer o Mitele, así como los numerosos clones de la mencionada Pluto que cualquiera puede ver ya en sus flamantes Smart TV. 

Pero, viendo que plataformas como Netflix o Prime ya han empezado a ofrecer retransmisiones deportivas, quizá no sea tan descabellado un escenario a medio-largo plazo donde nos quiten el que era el gran atractivo de las plataformas en primer lugar: el de poder ver lo que queramos sin depender de horarios prefijados huyendo de las guerras de contraprogramación.

¿Es la piratería la única opción? Eso en Joróbate Flanders lo dejamos a la conciencia de cada uno. Pero no conviene olvidar ese viejo proverbio de que la avaricia rompe el saco. Como siempre, podéis opinar de todo esto en los comentarios.

¡Tras más de 40 años ha acabado Captain Tsubasa! Y es que en Abril fuimos bombardeados por un montón de titulares clickbait como este, cuando la realidad era más bien distinta, y es que el autor, Yōichi Takahashi, preocupado por su salud si seguía dibujando al ritmo que hasta ese momento, en el que llegó a tener un ritmo de 140 páginas cada dos meses entre las páginas de la revista mensual dedicada a su serie, Capital Tsubasa Magazine, y la segunda parte del spin off de la misma serie, llamado I am Taro Misaki, basado en la vida del aquí conocido como Tom Baker, decidió dejar el ajetreado ritmo de las revistas semanales y mensuales que tantos problemas de salud ha causado a distintos mangakas, dando por finalizada la serialización oficial del manga, así como de la revista donde se publicaba. 

¿Y esto significa que deja totalmente la serie? Nada más lejos de la realidad, el autor explicó en una entrevista que va a seguir publicando bocetos de los capítulos, sin fechas de entrega, a su propio ritmo, y gratuitamente en la pagina web Captain Tsubasa World. 

A pesar de ser esbozos, el manga mantiene su estilo y dinamismo.

Y es que de sobras es conocido los problemas que arrastran los mangakas tras estar muchos años bajo el yugo de la periodicidad de las revistas, especialmente en las semanales, como la Shōnen Jump o la Shōnen Magazine. Eiichiro Oda, autor de One Piece hizo un parón de un mes aproximadamente por las mismas fechas que Yōichi, sin olvidar la repentina muerte del autor de Berserk, Kentaro Miura, o los distintos problemas de espalda que ha ido arrastrando el autor de Hunter X Hunter, Yoshihiro Togashi que han hecho que su obra, a pesar de ser prácticamente coetánea con la anteriormente nombrada One Piece, solo tenga publicados 38 tomos hasta la fecha del artículo, en comparación de los más de 100 de la obra de Eiichiro Oda. 

 El dibujo de Hunter X Hunter a pesar de los problemas del autor, sigue actualmente a un muy buen nivel

Y es que, como comentábamos anteriormente, algunos autores como Yoshihiro Togashi, han reducido la periodicidad de su obra drásticamente (por ejemplo, Yoshihiro publica unos 10 capítulos anuales). Otros autores, sin problemas de salud aparentes, también han cambiado la forma de trabajar. 

Actualmente, con el lanzamiento de la plataforma Jump Plus (que os recomendamos, ya que podréis leer los lanzamientos de forma gratuita y legal), algunas series se han visto desplazadas a esta plataforma desde la Shōnen Jump, la revista principal en papel, siendo las publicaciones con menos periodicidad (unos 2 o 3 capítulos al mes). 

La segunda parte de la aclamada Chainsaw Man solo se puede encontrar en esta plataforma (a excepción de los tomos recopilatorios, claro está), o el divertido Slice of life, Ruri Dragon, también se vio afectado por este movimiento tras más de un año de parón al inicio de su serialización. Sin contar con alguno de los éxitos de esta nueva generación de series, como Spy × Family, solo se publican en esta plataforma sin una periodicidad fija.

Entonces ¿Qué podremos esperar de Captain Tsubasa? Quizas puede seguir el camino de otras secuelas, como Boruto o Dragon Ball Super, en el que el autor original seguía encargado de parte del guion, pero la parte del dibujo la llevaba otro dibujante, o incluso puede que nos encontremos como el caso de One Punch-Man, donde el autor original, ONE  publicaba su obra, con unos dibujos digamos que, peculiares, en una plataforma de web-cómics japonesa, y que, debido al éxito de la misma, se le encargó un remake de la misma al famoso dibujante Yūsuke Murata, llevando la obra a las cotas de popularidad que actualmente alcanza ¡Y estando actualmente ambas en publicación!

 Como veis, no exagerábamos. Aunque hemos de decir que nos encanta el estilo de ONE.

¿Quizás han logrado encontrar en Japón el equilibrio necesario para que los mangakas no acaben con graves problema de salud? ¿Cuál creéis que será el futuro de Captain Tsubasa? Como siempre, os leemos en los comentarios y en nuestras redes sociales.

"¡La otra torre, Ricardo, la otra torre!" Todo español que tenga una cierta edad recuerda aquel impactante informativo de mediodía que presentaba Matías Prats en Antena 3 el martes 11 de septiembre de 2001. 

Lo que parecía un trágico accidente contra una de las Torres Gemelas del World Trade Center en Nueva York se convertía con un segundo impacto (más lo que ocurriría horas después en el Pentágono en Whasington) en el peor atentado terrorista de la historia de EEUU, marcando así el inicio de un siglo XXI de constante inestabilidad. Por supuesto, este no es un blog político, así que no hablaremos en Joróbate Flanders sobre todo esto, sino de como inevitablemente marcaría un antes y un después en la cultura que consumimos diariamente.

 Y para ello debemos remontarnos al verano de 2001, aquel en que por primera vez un pueblo de Madrid ganaba el Grand Prix, la selección española de baloncesto empezaba su era dorada con un bronce en el Eurobasket de Turquía, y por fin llegaba a España con un considerable retraso la segunda generación de Pokémon con la que muchos estrenaron su flamante Game Boy Advance lanzada ese año.

En unos tiempos donde aún internet estaba muy verde, y mucho menos estaba aún al alcance de todo el mundo, un trailer en aquellas salas de cine estadounidenses donde triunfaban títulos como Pearl Harbor, Monstruos SA y Shrek (que sería la que se llevaría el gato al agua en la recién creada categoría de mejor película animada en los Oscar) un trailer de un género que con Blade o X-Men estaba despertando de un largo letargo causaba gran sensación: por fin Spiderman saltaría como se merecía a la gran pantalla tras aquellas mediocres TV movies de los 70.

Por supuesto, este trailer (junto con un teaser poster con ese mismo primer plano de los ojos del Peter Parker interpretado por Tobey Maguire que aún hoy los muy observadores pueden ver fugazmente pausando la película) fue inmediatamente retirado tras lo ocurrido, mientras que en la comedia de 2002 Zoolander se modificaron digitalmente varios planos donde aparecían los dos rascacielos, y también el climax del 42º clásico animado Disney Lilo y Stitch tuvo que sufrir ciertos cambios.

Así mismo, también cambió ligeramente la intro del drama mafioso de HBO Los Soprano, y durante algún tiempo dejó de reponerse en EEUU (aunque sí se mantuvo en su correspondiente temporada en DVD, al contrario de lo que se rumoreó en un principio) el 9x01 de Los Simpson "La ciudad de Nueva York contra Homer Simpson" donde Barney Gumble aparcaba el famoso coche morado de la familia de Evergreen Terrace en medio de las calles de Manhattan.