¡Hola a todos! Tras nuestro descanso del puente de noviembre, volvemos un día más a nuestro blog de Joróbate Flanders, retomando otro de nuestros temas preferidos, Mortadelo y Filemón.

Aunque en principio la editorial Penguin y la familia Ibáñez parecen poco proclives a mantener la voluntad del fallecido autor de que la serie continúe con otros autores, esto no ha impedido que este haya sido un año de muchos lanzamientos, desde el muy exitoso album póstumo de los JJOO de París´24 a la nueva colección infantil "Mi primer Mortadelo y Filemón" (una puesta al día de aquellos Top Comic con que buena parte de la generación millenial descubrió a los agentes de la TIA) pasando por un recopilatorio sobre sus muy desconocidos comienzos en Bruguera.

A la espera de saber si por fin irán volviendo a las tiendas ciertos números de la colección Super Humor que hoy tienen una gran especulación a las espaldas como son los recopilatorios de las portadas de la revista Mortadelo, hoy volveremos a hablar de algunos de nuestros comics preferidos o que al menos consideramos que deberían tener un mayor reconocimiento (parte I aquí) . Empecemos:

Contra Jimmy el cachondo

En estos días se cumplen 10 años de la sexta y hasta el momento última incursión de Mortadelo y Filemón en la gran pantalla. Aunque volvía Javier Fesser a la dirección tras el enorme éxito de taquilla que fue la extraña pero divertida "La gran aventura...", esta vez no sería un live action (si bien volvió buena parte del reparto de entonces) sino una película de animación CGI a cargo de Ilion Animation (hoy absorbida por Skydance) creadores de Planet 51.

Al contrario que las películas anteriores (que en menor o mayor medida se basaban libremente en algún determinado comic pre-existente) Mortadelo y Filemón contra Jimmy el cachondo era una historia original en que el loco villano que da nombre a la historia, tras robar varias de sus cajas fuertes, trataba de hacer volar (literalmente, como si de un cohete se tratara) la sede de los Técnicos de Investigación Aeroterráquea, mientras que Filemón intenta evitar con uno de los inventos del profesor Bacterio que el temido fugado "Tronchamulas" (al que hizo que encerraran injustamente en prisión) que casualmente es el primo de Jimmy, le haga "el aquello".

Más allá del fracaso en taquilla (que puso un abrupto fin a un proyecto de "universo Bruguera" que incluía un spin off de Rompetechos y una adaptación del personaje de Josep Escobar Carpanta) y el culto posterior que ha surgido gracias a las reiteradas reposiciones del canal Clan y los memes tuiteros, si en su día Ibáñez cogió determinados elementos de "La gran aventura..." para hacer su propia versión de aquel mítico "La gran superproducción" de Superlópez (Jan) al que llamó "El estrellato" esta vez crearía a su propio Jimmy el cachondo.

Aunque en buena medida se mantiene el argumento central de la película (tratar de que Tronchamulas les lleve a la guarida de su primo Jimmy y así recuperar un documento de supuesto gran valor para el Superintendente Vicente Ruinez) incluyendo la peculiar relación paterno-filial del villano con el invidente Rompetechos, Ibáñez se toma en todo momento sus licencias, como acortar el onirico prólogo inicial a apenas una viñeta (que además está protagonizada por Mortadelo y no por Filemón) o convertir la "reversicina" (que volvía dócil y simpático a Tronchamulas) en un paralizador, además de la aparición de personajes que no salían en la película como el director general de la TIA o la dueña de la desastrosa "Pensión el calvario", siendo una muy interesante visión alternativa de esta gran película.

El tirano

A partir del éxito de los álbumes de Mundiales y Olimpiadas, se hizo cada vez más habitual que Ibáñez realizara historias centradas en la actualidad del momento, lo que no siempre ha envejecido demasiado bien pero que le daba una gran visibilidad no solo en medios especializados sino también en la prensa generalista. 

Uno de los títulos más destacados de este "subgénero" fue en 1999, año en que el ex-dictador chileno Augusto Pinochet estaba de plena actualidad por su arresto en Londres para ser juzgado en España por el juez Baltasar Garzón.

Así, en "El tirano" (revisión de "Objetivo: eliminar al Rana" con toques de "El sulfato atómico") los dos agentes (al ser los más prescindibles dentro de la organización) son enviados a la ficticia República de Chula para, infiltrados como guardaespaldas personales del dictador Antofagasto Panocho, conseguir deponerle, ideando todo tipo de atentados que solo les acaban afectando a ellos.

 

A mitad de comic, la historia da un giro de 180 grados cuando el Super ordena que Panocho sea protegido para llevarle ante el juez Calzón, y, como no podía ser de otra manera, es a partir de este momento cuando le hacen todo tipo de perrerías de forma accidental en un hospital donde se somete a un chequeo hasta (o eso creían) llevarle a la locura impidiéndole declarar. 

Tras el gran éxito que tuvo este álbum, Panocho posteriormente reaparecería en el mencionado "El estrellato" (lo que nos hace sospechar que, cuando vio la película, Ibáñez no debía recordar a Bruteztrausen, en quien en verdad está basado el villano Calimero al que interpretaba Paco Sagárzazu) y, liderando a otros enemigos de Mortadelo y Filemón, en el conmemorativo "Venganza cincuentona".

¡Rapto tremendo!

He aquí una de esas excepciones donde los habituales cameos de otros personajes pasan de lo meramente anecdótico para convertirse en crossovers en toda regla. 

El primero fue en 1981 Tete Cohete, que sirvió de presentación para el fallido personaje que empezó a publicar Ibáñez al año siguiente en la revista Pulgarcito, y 3 años después, Mortadelo y Filemón tenían que hacer equipo con el Botones Sacarino, único que puede identificar al terrorista que ha intentado atacar la sede del diario "El aullido vespertino" en que trabaja, en lo que fue el episodio piloto de la serie televisiva. 

Por supuesto, el personaje que más se ha prodigado en las páginas de Mortadelo y Filemón es Rompetechos, ya que Ibáñez nunca ocultó que era su preferido. 

De esta forma, ya había tenido ciertas dosis de protagonismo en "A la caza del cuadro" (donde deben infiltrarse en su casa en uno de los 10 capítulos que conforman el album) "El jurado popular" (siendo uno de los peculiares personajes a los que deben proteger antes de un juicio) "Sydney 2000" como parte del equipo olímpico español, o "Los cegatos" (una de las últimas historias cortas en 1991) donde es confundido con el cuñado del director general, un nuevo aspirante a agente al que Mortadelo y Filemón debían poner a prueba.

Así las cosas, 2 décadas después, de nuevo Ibáñez retomaba la idea de aquel "Testigo de cargo", rizando el rizo. Esta vez, el propio autor había sido secuestrado, y el único que puede encontrarle no es ni más ni menos que Rompetechos.

Tras crear el caos en diferentes lugares como un conservatorio musical, un bar, o poner a Rompetechos al volante de un SEAT 600, la investigación acabará conduciendo a los dos agentes a la propia sede de Ediciones B, con un inesperado final que no spoilearé.

Como siempre, podéis sugerir otros comics en los comentarios.

¡Hola a todos! En efecto, por fin llegamos a nuestro primer Comprador de Springfield de la temporada, nuestro espacio de noticias y opinión en Joróbate Flanders.

No, no hablaremos del inesperado éxito de La revuelta (convertido en el primer rival serio que tiene Pablo Motos y su Hormiguero en más de una década) , ni de la nueva separación de La oreja de Van Gogh, lo cual no tendría sentido porque ni siquiera este es un blog de música.

Hoy volvemos al debate del streaming, y más concretamente de como, con el paso de los años, las políticas han ido cada vez a peor para el usuario. Empecemos:

Aunque parece que sea una creación reciente, lo cierto es que Netflix cumplirá el próximo 2025 10 años de presencia en España. 

Por fin teníamos lo que tanto pedíamos: un servicio que a un precio asequible que permitiera ver un gran número de series y películas pudiendo prescindir de una piratería en ese momento suponía o grabaciones del propio cine con todo lo que eso conllevaba (¿recordáis los screeners? ¡ah, los 80!) o, en el caso de las series, capturas de la televisión con sus respectivas "moscas", cortes bruscos donde irían las pausas publicitarias, y fansubs de cuestionable fiabilidad.

Desde el principio, surgieron las cuentas compartidas gracias a la opción de elegir el número de pantallas y calidad según la tarifa, y aunque se pueda objetar no sin razón que esta práctica siempre estuvo en el limbo de la "alegalidad", lo cierto es que la propia plataforma era la primera que no solo hacía la vista gorda en vista del beneficio que recibían, sino que además lo promovía abiertamente desde sus perfiles de Twitter.

Después de unos primeros años donde una gran parte de la producción audiovisual (y no solo sus muchas exclusividades) estuvieron concentradas en Netflix, pronto llegaría la inevitable competencia. Prime Video, HBO (hoy Max), Disney+... de pronto tenías que ir cambiando de una a otra si querías estar al día de unas series que por otro lado iban pasando de emitirse cada 6 meses-un año como era lo habitual a poco menos que superproducciones de Hollywood divididas por capítulos que tardan dos o más años en estrenarse, si es que no la cancelan sin más y la borran de la existencia sin ni siquiera lanzarla en formato físico.

Más allá de la antigüedad de este famoso meme y de que varias de esas plataformas no han llegado nunca a nuestro país, lo cierto es que en efecto la piratería nunca se fue de nuestras vidas, sino que por el contrario ahora contaban desde el principio con la propia fuente para poder conseguir descargas en 1080 o inclusive 4K con idéntica calidad a la que ofrece el streaming.

Así, durante la pandemia ya vivimos un primer fenómeno masivo de descargas cuando, Warner en EEUU, y Disney a nivel internacional, pretendieron prescindir de los cines o al menos tenerlos como segunda opción, con grandes estrenos de la talla de Space Jam: nuevas leyendas, Wonder Woman 1984, Viuda negra, Cruella, etc, directos al streaming, que en el caso de Disney suponía un alquiler premium aparte de 21€. Ni qué decir que todas ellas fueron importantes fracasos económicos en todos los soportes, aunque en un principio estos aseguraran estar satisfechos con el rendimiento del live action de Mulán con el que pretendían desembarcar a lo grande en el mercado chino.

Y, mientras la oferta seguía fragmentándose (lo que no impide no obstante que haya no pocas películas fuera del mainstream que no se pueden encontrar en ninguna plataforma) y los precios iban subiendo cada vez más, en 2023 llegó la noticia que muchos quisimos creer en un momento que sería algo puntual: 

Netflix habia decidido empezar a poner coto a las cuentas compartidas, y lo que es peor, a poner planes que incluyeran pausas publicitarias, lo cual, lejos de perjudicarles como cabía esperar, les ha dado si cabe más beneficios, por lo que Disney+ es la siguiente que se ha unido a estas nuevas políticas, y yendo un paso más allá en el caso de la publicidad abriendo la posibilidad futura de incluirla en todas sus ofertas, como si de Pluto TV se tratara.

¡Bienvenidos a la tele que salvó de la cancelación a La casa de papel!

¿Cual será el siguiente paso? Disney habló la pasada primavera de la posibilidad de incluir canales temáticos sobre Star Wars, Los Simpson, y demás franquicias. Lo normal sería pensar que simplemente se trataría de canales FAST opcionales como los que ya existen en plataformas como RTVE Play, Atresplayer o Mitele, así como los numerosos clones de la mencionada Pluto que cualquiera puede ver ya en sus flamantes Smart TV. 

Pero, viendo que plataformas como Netflix o Prime ya han empezado a ofrecer retransmisiones deportivas, quizá no sea tan descabellado un escenario a medio-largo plazo donde nos quiten el que era el gran atractivo de las plataformas en primer lugar: el de poder ver lo que queramos sin depender de horarios prefijados huyendo de las guerras de contraprogramación.

¿Es la piratería la única opción? Eso en Joróbate Flanders lo dejamos a la conciencia de cada uno. Pero no conviene olvidar ese viejo proverbio de que la avaricia rompe el saco. Como siempre, podéis opinar de todo esto en los comentarios.

¡Tras más de 40 años ha acabado Captain Tsubasa! Y es que en Abril fuimos bombardeados por un montón de titulares clickbait como este, cuando la realidad era más bien distinta, y es que el autor, Yōichi Takahashi, preocupado por su salud si seguía dibujando al ritmo que hasta ese momento, en el que llegó a tener un ritmo de 140 páginas cada dos meses entre las páginas de la revista mensual dedicada a su serie, Capital Tsubasa Magazine, y la segunda parte del spin off de la misma serie, llamado I am Taro Misaki, basado en la vida del aquí conocido como Tom Baker, decidió dejar el ajetreado ritmo de las revistas semanales y mensuales que tantos problemas de salud ha causado a distintos mangakas, dando por finalizada la serialización oficial del manga, así como de la revista donde se publicaba. 

¿Y esto significa que deja totalmente la serie? Nada más lejos de la realidad, el autor explicó en una entrevista que va a seguir publicando bocetos de los capítulos, sin fechas de entrega, a su propio ritmo, y gratuitamente en la pagina web Captain Tsubasa World. 

A pesar de ser esbozos, el manga mantiene su estilo y dinamismo.

Y es que de sobras es conocido los problemas que arrastran los mangakas tras estar muchos años bajo el yugo de la periodicidad de las revistas, especialmente en las semanales, como la Shōnen Jump o la Shōnen Magazine. Eiichiro Oda, autor de One Piece hizo un parón de un mes aproximadamente por las mismas fechas que Yōichi, sin olvidar la repentina muerte del autor de Berserk, Kentaro Miura, o los distintos problemas de espalda que ha ido arrastrando el autor de Hunter X Hunter, Yoshihiro Togashi que han hecho que su obra, a pesar de ser prácticamente coetánea con la anteriormente nombrada One Piece, solo tenga publicados 38 tomos hasta la fecha del artículo, en comparación de los más de 100 de la obra de Eiichiro Oda. 

 El dibujo de Hunter X Hunter a pesar de los problemas del autor, sigue actualmente a un muy buen nivel

Y es que, como comentábamos anteriormente, algunos autores como Yoshihiro Togashi, han reducido la periodicidad de su obra drásticamente (por ejemplo, Yoshihiro publica unos 10 capítulos anuales). Otros autores, sin problemas de salud aparentes, también han cambiado la forma de trabajar. 

Actualmente, con el lanzamiento de la plataforma Jump Plus (que os recomendamos, ya que podréis leer los lanzamientos de forma gratuita y legal), algunas series se han visto desplazadas a esta plataforma desde la Shōnen Jump, la revista principal en papel, siendo las publicaciones con menos periodicidad (unos 2 o 3 capítulos al mes). 

La segunda parte de la aclamada Chainsaw Man solo se puede encontrar en esta plataforma (a excepción de los tomos recopilatorios, claro está), o el divertido Slice of life, Ruri Dragon, también se vio afectado por este movimiento tras más de un año de parón al inicio de su serialización. Sin contar con alguno de los éxitos de esta nueva generación de series, como Spy × Family, solo se publican en esta plataforma sin una periodicidad fija.

Entonces ¿Qué podremos esperar de Captain Tsubasa? Quizas puede seguir el camino de otras secuelas, como Boruto o Dragon Ball Super, en el que el autor original seguía encargado de parte del guion, pero la parte del dibujo la llevaba otro dibujante, o incluso puede que nos encontremos como el caso de One Punch-Man, donde el autor original, ONE  publicaba su obra, con unos dibujos digamos que, peculiares, en una plataforma de web-cómics japonesa, y que, debido al éxito de la misma, se le encargó un remake de la misma al famoso dibujante Yūsuke Murata, llevando la obra a las cotas de popularidad que actualmente alcanza ¡Y estando actualmente ambas en publicación!

 Como veis, no exagerábamos. Aunque hemos de decir que nos encanta el estilo de ONE.

¿Quizás han logrado encontrar en Japón el equilibrio necesario para que los mangakas no acaben con graves problema de salud? ¿Cuál creéis que será el futuro de Captain Tsubasa? Como siempre, os leemos en los comentarios y en nuestras redes sociales.

"¡La otra torre, Ricardo, la otra torre!" Todo español que tenga una cierta edad recuerda aquel impactante informativo de mediodía que presentaba Matías Prats en Antena 3 el martes 11 de septiembre de 2001. 

Lo que parecía un trágico accidente contra una de las Torres Gemelas del World Trade Center en Nueva York se convertía con un segundo impacto (más lo que ocurriría horas después en el Pentágono en Whasington) en el peor atentado terrorista de la historia de EEUU, marcando así el inicio de un siglo XXI de constante inestabilidad. Por supuesto, este no es un blog político, así que no hablaremos en Joróbate Flanders sobre todo esto, sino de como inevitablemente marcaría un antes y un después en la cultura que consumimos diariamente.

 Y para ello debemos remontarnos al verano de 2001, aquel en que por primera vez un pueblo de Madrid ganaba el Grand Prix, la selección española de baloncesto empezaba su era dorada con un bronce en el Eurobasket de Turquía, y por fin llegaba a España con un considerable retraso la segunda generación de Pokémon con la que muchos estrenaron su flamante Game Boy Advance lanzada ese año.

En unos tiempos donde aún internet estaba muy verde, y mucho menos estaba aún al alcance de todo el mundo, un trailer en aquellas salas de cine estadounidenses donde triunfaban títulos como Pearl Harbor, Monstruos SA y Shrek (que sería la que se llevaría el gato al agua en la recién creada categoría de mejor película animada en los Oscar) un trailer de un género que con Blade o X-Men estaba despertando de un largo letargo causaba gran sensación: por fin Spiderman saltaría como se merecía a la gran pantalla tras aquellas mediocres TV movies de los 70.

Por supuesto, este trailer (junto con un teaser poster con ese mismo primer plano de los ojos del Peter Parker interpretado por Tobey Maguire que aún hoy los muy observadores pueden ver fugazmente pausando la película) fue inmediatamente retirado tras lo ocurrido, mientras que en la comedia de 2002 Zoolander se modificaron digitalmente varios planos donde aparecían los dos rascacielos, y también el climax del 42º clásico animado Disney Lilo y Stitch tuvo que sufrir ciertos cambios.

Así mismo, también cambió ligeramente la intro del drama mafioso de HBO Los Soprano, y durante algún tiempo dejó de reponerse en EEUU (aunque sí se mantuvo en su correspondiente temporada en DVD, al contrario de lo que se rumoreó en un principio) el 9x01 de Los Simpson "La ciudad de Nueva York contra Homer Simpson" donde Barney Gumble aparcaba el famoso coche morado de la familia de Evergreen Terrace en medio de las calles de Manhattan.

¡Bienvenidos de nuevo a nuestro blog de Joróbate Flanders! A lo largo de estas merecidas vacaciones veraniegas, hemos puesto en marcha nuestro nuevo espacio propio en Twitter (o como lo quiera llamar Elon Musk en el momento que esto sea publicado) , la selección española de fútbol masculino ha hecho historia con su cuarta Eurocopa y segundo oro olímpico, y Marvel ha demostrado estar más viva que nunca tras su decepcionante 2023 con el exitoso estreno de su única película para este 2024, la divertida Deadpool y Lobezno.

Como ya hicimos el año pasado, abrimos esta nueva temporada con la que será la entrega final de una de las secciones recurrentes del blog, aquella en que repasamos los ficticios programas de televisión que ven algunos de nuestros personajes preferidos (partes I, II, III, IV, V y monográfico Los Simpson) en sus momentos de ocio, un subgénero que al parecer tiene más fans de lo que podíamos imaginar, ya que en EEUU se ha creado una muy curiosa web llamada Nestflix que, imitando una clásica interfaz de plataforma de streaming, recopila todo tipo de ejemplos tanto de la televisión como del cine. Dicho todo esto, ¡empecemos!

Proletario y parásito (Los Simpson)

Corría 1960 cuando la productora Metro Goldwin Mayer, tan solo 3 años después de cerrar su estudio de animación (lo que supuso que William Hanna y Joseph Barbera crearan su prolífica productora televisiva) , decidía retomar a sus muy carismáticos personajes, Tom y Jerry, en una serie de 13 cortometrajes que se subcontrataron a un estudio de Checoslovaquia, Rembrandt Films.

Esta etapa suele ser considerada la peor por una buena parte de los incondicionales, por su peculiar paleta de colores, una animación tosca que constrastaba con la gran agilidad que solían tener las persecuciones del gato Tom a su archienemigo el ratón Jerry, y un tipo de sonido que bien podría ser el de una adaptación animada de Twin Peaks, además de una violencia que sobrepasaba el mero slapstick para llegar a ser desagradable, en especial el cruel nuevo dueño de Tom, Clint Clobber.

Aunque los autores de esta etapa aparecían bajo pseudónimo (siendo a su vez los únicos donde no aparece en los créditos finales la frase "made in Hollywood, USA") ya que, por lo que fuera, lo que venía de Europa del Este no estaba muy bien visto, para los 90 el verdadero origen de esta experimental etapa ya debía ser de dominio público, y es aquí donde llegamos a lo que nos ocupa.

El 13 de mayo de 1993, Los Simpson cerraban a lo grande (con un gran número de cameos estelares) su entonces controvertida y hoy aclamada cuarta temporada con "Krusty es cancelado", donde el payaso al que tanto adora Bart Simpson sufre la agresiva competencia de un indeterminado rival de Channel 6 (¿quizá aquel en el que trabajaba antes de ingresar injustamente en prisión?) y su popular nuevo programa infantil, "Gabbo", presentado por el ventrílocuo Arthur Crandall y su muñeco que da nombre al espacio (con el que llega a hablar fuera de cámara como si existiera de verdad) donde interpreta canciones y hace bromas telefónicas (una de ellas al propio Krusty) , haciendo muy popular la coletilla "¡soy un chico muy perverso!".

La crisis de audiencia que sufre Krusty provoca que pierdan los derechos de Rasca y Pica y pasen a emitirse dentro de Gabbo, y en su lugar ofrecen la estrambótica "Proletario y parásito", corto de la URSS de 1959 también protagonizado por un gato y ratón que trabajan en una fábrica, y que, por lo poco que podemos descifrar de su argumento (que causa estupor al propio presentador del programa) sufrirían al parecer de alucinaciones tras quedarse sin comer al haber demasiada cola en un economato.

Como no podía ser de otra manera, estos personajes se han vuelto muy populares entre el fandom siendo uno de los vídeos más fáciles de encontrar de Los Simpson en cualquiera de los idiomas existentes, y la extinta Bongo llegó a dedicarles un comic propio dentro del número 29 de la serie Bart Simpson (spin off de 100 números dedicado a un público infantil) y que hemos traducido personalmente para los lectores que no estén familiarizados con el inglés (hacer click para ver mejor) .

Rubén y Jessi (Homo zapping)

Demos ahora un salto al 2003, año en el que, en El rellano y otras páginas de humor del incipiente internet, se fueron haciendo virales diferentes sketches del programa "Una altra cosa" de Andreu Buenafuente en TV3 donde, al estilo del género de moda del momento (los programas de zapping) se parodiaban diferentes espacios televisivos, en especial, Pasapalabra.

Una Antena 3 que atravesaba el peor momento de su historia no tardó en ver el filón, y el 9 de diciembre de ese mismo año empezaba a emitir Homo zapping, programa producido por la productora El Terrat (en ese entonces propiedad del propio Andreu) y presentado por José Corbacho y Esther Arroyo, que a modo de sitcom comentaban lo que se emitía en televisión en ese momento.

Esta primera etapa no terminó de cuajar, y tras unos meses de parón, HZ pasaba a estar únicamente presentado por Corbacho, quien cada semana interpretaba a uno de sus personajes (Pedro Erquicia, José Luis Garci o Jorge Javier Vázquez entre otros) junto con algún personaje televisivo que co-presentaba y hacía cameos en alguno de los sketches, entre los que cabe destacar a Santi Millán, María Teresa Campos o la ex-Miss España Raquel Revuelta, cuyos surrealistas sketches del miniespacio de Mediaset "Estrenos de cartelera" interpretados por Paco León eran el momento más esperado de cada programa hasta su marcha a la serie Aída.

Otro de los programas habitualmente parodiados era El diario de Patricia, donde Silvia Abril interpretaba a Patricia Gaztañaga, y algún entrevistado que iba cambiando de programa en programa siendo una pieza más de las que iban entrando y saliendo a lo largo de los 4 años de programa hasta que uno de los sketches creó una especial sensación.

Se trataba de Ruben (con acento en la "U") y Jessi, una típica pareja "cani" de la época interpretada por Paco León y Yolanda Ramos, que, con un poema, confiesa que le ha puesto los cuernos con su mejor amigo, "el Isra", provocando una encendida discusión en directo.

Esta disfuncional pareja se convirtió en dos más de los personajes recurrentes de Homo Zapping (incluyendo algún cameo de la propia presentadora) con contínuas rupturas y reconciliaciones a base de covers de Camela y bailes con música "bakala", nuevas infidelidades, y un embarazo (que es literalmente imposible determinar por la ciencia de quien ha sido) que parece traerles por fin una cierta estabilidad en sus vidas. También aparecerían en otros "programas" de este universo como, por supuesto, Pasapalabra.

Aulas vacías, corazones llenos (7 vidas)

Y por fin cerramos el círculo hablando de la serie que me hizo empezar con todos estos artículos, 7 vidas. Hacia el final de la cuarta temporada, hizo por primera vez su aparición un personaje que en principio era episódico pero que no tardó en ganarse el cariño de sus fieles seguidores convirtiéndose en una de las actrices más longevas de la serie, el de la aspirante a actriz Diana Freire interpretada por Anabel Alonso.

Tras varios trabajos esporádicos (como por ejemplo, de telefonista en la empresa de seguridad donde trabajaba Paco Gimeno, el mítico personaje de Javier Cámara) en la octava temporada consigue triunfar (?) por fin en lo suyo con "Aulas vacías, corazones llenos", un serial adolescente donde Diana interpreta a Luna Sastre (y ocasionalmente, a su gemela malvada) pese a estar ya en la treintena, en una clara alusión a una serie de la propia Telecinco como era Al salir de clase y en particular el personaje de María al que interpretaba Carmen Morales.

Esta trama daría pie a diferentes cameos, desde un supuesto profesor nativo de inglés (interpretado por Fernandisco) a un agresivo productor al que da vida José Luis Moreno (y que hoy resulta un tantó irónico ver) y la rivalidad con una nueva actriz, Bego (Toni Acosta) que amenaza con quitarle su espacio en la serie. 

Tras su despido por culpa de un malentendido de Sole (Amparo Baró) que creía que el nuevo director (interpretado por Constantino Romero) quería prescindir de ella cuando de hecho iba a darle más protagonismo, Diana protagonizaría otras tramas televisivas, como presentar "Sin pelos en la lengua" (un talk show de una tele local, en referencia a "Mentiras peligrosas" de Leticia Sabater en el madrileño Canal 7) como una asistenta andaluza en "Chacha de familia", o dentro del disfraz de "Pumpy", un personaje infantil a medio camino entre Barrio sésamo y Barney donde ya permanecería hasta el final de 7 vidas, aunque ninguno llegaría a tener tanta relevancia dentro del fandom como esta excesivamente emocional adolescente.

Como siempre, podéis sugerir otras series en los comentarios.

Hola, amigos de Joróbate Flanders en estos días tan calurosos. Aunque aún quedan unas semanas para el "40 de mayo", el verano ya está llegando con fuerza. 

Este va a ser un verano de grandes estrenos. Mientras que en la gran pantalla ya tenemos Furiosa (el primer spin off/precuela del universo de Mad Max) y la pre-venta de entradas de Deadpool y Lobezno bate records demostrando que el universo Marvel sigue vivo pese a sus altibajos, a Max (ya sin el prefijo HBO) está a punto de llegar la esperadísima segunda temporada de La casa del dragón.

Por supuesto, hay también quien aprovecha estas fechas para volver a ver series que disfrutaron en su día, o para descubrirlas por primera vez. Y para estos últimos, hoy, en nuestro último artículo de la temporada de Joróbate Flanders, repasaremos de nuevo algunos clásicos y en qué plataformas pueden verse (parte I aquí) . Empecemos:

Mortadelo y Filemón

La historia de los 2 desastrosos agentes de la TIA creados por Francisco Ibáñez siempre ha ido íntimamente ligada a la animación. No en vano, su estilo de humor tan ágil lleno de acción (alejado del tradicional estilo Bruguera donde se desarrollaba lentamente el gran gag final) bien puede recordar el de Tom y Jerry o los personajes de Looney Tunes.

Solo 8 años después de su primera publicación en la revista Pulgarcito (1966) ya empezaron a producirse por parte de Estudios Vara los primeros cortos para el cine, que fueron recopilados a modo de largometraje en "Primer Primer festival de Mortadelo y Filemón" y "Segundo festival de Mortadelo y Filemón", mientras que en 1971 se estrenaría "El armario del tiempo", que mantenía la estructura episódica aunque con una continuidad entre los mismos.

Aunque fueron grandes éxitos de crítica (sobre todo la última) , al parecer no resultó tan rentable como cabría esperar, y durante las 2 siguientes décadas la presencia de MyF en la "caja tonta" se limitó a anuncios de lo más diverso, desde refrescos Mirinda o colecciones de cromos a por supuesto los propios álbumes de la Colección Olé, en aquellos tiempos en que aún se podían encontrar tebeos en los kioskos.

En 1992, el Grupo Zeta (propietaria entonces de los derechos de la antigua Bruguera, hoy en manos de Penguin) se hacía con el control de una incipiente Antena 3 Televisión, y tan solo 3 años después empezaba a emitirse Mortadelo y Filemón, la serie animada. 

En principio la cosa no podía pintar mejor. Esta vez se contaba con una gran ventaja con respecto a los cortos de Vara que era la de contar ya con un considerable catálogo de historias largas que poder adaptar, y una producción a cargo de la gran referencia de la animación patria que era BRB. ¿Cumplió las expectativas?

Pues... sí y no. Aunque se adaptaron aventuras de lo más míticas como "El sulfato atómico" (que, respetando la cronología, fue el primer episodio) "La estatua de la libertad" o "¡Soborno!" entre otras, la animación resultaba excesivamente tosca y a veces se perdían algunos gags o eran suavizados con respecto al comic, además del extraño añadido de un ratón (doblado por Rafael Calvo) que hacía comentarios sarcásticos sobre el dúo protagonista como si del perro de La familia Trapisonda se tratara.

Pese a todos estos problemas, esta serie tuvo una considerable acogida que creó una nueva generación de lectores de Mortadelo y Filemón. Actualmente, podéis encontrarla tanto en Filmin como en el propio canal oficial de BRB, que además ofrece la interesante posibilidad (eso sí, sin subtítulos) de verlos en el doblaje en inglés para EEUU, donde fue conocida como "Mort & Phil"

Oliver y Benji 

Sí, en un año de Eurocopa no podíamos dejar pasar Captain Tsubasa, el legendario manganime de Yoichi Takahashi que cuenta la historia de Tsubasa Ozora (Oliver Atom en el doblaje castellano procedente de Italia) que trata de convertirse en una estrella mundial de un deporte tan ajeno a Japón (y más en los 80) como es el fútbol.

Aunque hasta el momento ha habido hasta 4 series televisivas (la última a día de hoy inédita en España) y 13 OVAs que narraron el Mundial sub16 que enfrentó a nuestros protagonistas contra la Alemania del "kaiser" Karl Heinz Schneider, la que causó más impacto en nuestro país fue la primera, emitida por primera vez por Telecinco nada más empezar sus emisiones en 1990 como "Campeones" (y posteriormente rebautizada Oliver y Benji) .

Esta primera serie empieza cuando Oliver (en adelante usaré los nombres occidentales si me lo permitís) llega a la ciudad de Nankatsu, donde conoce a quien se convertirá en su mentor, Roberto Sendinho, la gran figura del fútbol brasileño ya retirado, y empieza una rivalidad con el portero Benji Price, siendo el primero que logra marcarle un gol en el partido entre los 2 equipos locales, el modesto Newpi y el poderoso San Francis.

Tras este partido que queda empate a 2, se forma el "Newteam" entre los mejores jugadores de toda la región para participar en el campeonato nacional de fútbol juvenil, donde conoceremos a otros grandes jugadores como los gemelos Derrick, Phillip Callahan, Julian Ross, y por supuesto, el principal antagonista de la serie, Mark Lenders, que trata de conseguir una beca con la que poder ayudar a su familia y a la vez seguir jugando al fútbol.

Tras muchos años sin reposiciones, la pasada Navidad Oliver y Benji volvía a las pantallas españolas (y remasterizada, pudiendo ver por primera vez las pantallas de título originales) como parte de la programación infantil de fin de semana de Neox, y con ello la totalidad de los 128 episodios de esta primera serie fueron subidos a Atresplayer, con la posibilidad añadida de verla (con anuncios, claro está) usando simplemente una cuenta gratuita.  A la espera de que por fin llegue el nuevo anime, es una buena oportunidad de volver a disfrutar los orígenes.

Aquí no hay quien viva 

Saltemos ahora al año 2003, cuando una A3 que atravesaba una grave crisis de audiencia estrenaba sin demasiada publicidad la que parecía destinada a ser otra de tantas series condenadas a un final prematuro y un pronto olvido.

Con una poco disimulada influencia de la obra del ya mencionado Ibáñez, en este caso 13 Rúe del Percebe (lo que se evidenciaba con una tipografía en el logo de la serie que recordaba a la de Mortadelo y Filemón) Aquí no hay quien viva arrancaba con la llegada de la joven pareja formada por Roberto Alonso (Daniel Guzmán) y Lucía Álvarez (María Adánez) al decimonónico edificio de Desengaño 21, donde tienen continuos conflictos con el sempiterno presidente de la comunidad Juan Cuesta (José Luis Gil) y su mujer Paloma Hurtado (Loles León) además del cotilleo en "Radio Patio" de las ancianas Marisa Benito (Mariví Bilbao) su eternamente despistada hermana Vicenta (Gemma Cuervo) y su amiga Concepción de la Fuente "Concha" (Emma Penella) quien a su vez es la gran archienemiga de Juan.

Este coral reparto se completaba entre otros con Mauri Hidalgo (Luis Merlo) y Fernando Navarro (Adriá Collado) quienes formaban una de las primeras parejas homosexuales de la historia de la ficción española, el arruinado matrimonio formado por el corrupto empresario Andrés Guerra (Santiago Ramos) y la muy mística Isabel "la hierbas" Ruiz (Isabel Ordaz) o Paco (Guillermo Ortega) el friki dependiente del videoclub "El planeta de los vídeos" de los bajos del edificio, sin olvidar como no a quien se convertiría en la estrella de la serie, Fernando Tejero, que interpretaba a Emilio Delgado, el portero de la comunidad y el mejor amigo de Cuesta.

Tras unos irregulares comienzos, el boca-oreja empezó a hacer efecto y, unido al gran éxito en el cine de Días de fútbol, ANHQV empezó a subir vertiginosamente en audiencia hasta el punto que el ritmo de rodaje se volvió demasiado exigente, llegando a terminarse con un solo día de antelación, lo que supuso que en apenas 3 años se emitieran la friolera de 91 episodios repartidos en 5 temporadas en las que se sucedieron los cambios de actores y la entrada de otros en su lugar.

Actualmente, su serie "hermana" La que se avecina continúa tras 17 años su emisión en T5 (con preestrenos previos en la plataforma de streaming Amazon Prime Video) mientras que la original se ha convertido en poco menos que Los Simpson españoles, con ininterrumpidas reposiciones que llegan hasta nuestros días en la cadena de TDT Atreseries, con un ritmo de emisión absolutamente caótico donde en un solo día se pueden llegar a ver episodios de 3 temporadas diferentes.

Por suerte, los que quieran disfrutarla en orden tienen diversas opciones para ello, ya que actualmente ANHQV se ofrece en un considerable número de plataformas: Atresplayer (que además tiene subidas a Youtube el primer episodio de cada una de las temporadas) Max, la mencionada Prime Video, Tivify y Netflix, si bien en esta última no encontraréis el episodio "Érase un Belén" de la tercera temporada, debido al disfraz de Baltasar del personaje de Mariano (Eduardo Gómez) y el consiguiente "blackface". ¡Qué follón!

Como siempre, podéis sugerir más series en los comentarios. Disfrutad del verano, nos vemos de nuevo en septiembre.

¡Hola de nuevo! Tras nuestro descanso por el puente de mayo, regresamos una vez más a Joróbate Flanders en una semana donde finalmente ha llegado la noticia que tanto se estaba esperando de Nintendo. 

Por supuesto, no nos referimos a que hayan recuperado de pronto una marca tan poco conocida fuera de los EEUU como es la de Nintendo World Championships para lanzar lo que parece ser una secuela espiritual de los NES Remix de Wii U y Nintendo 3DS, sino de la sucesora de una consola que (millones más o menos aparte) ha hecho historia en el mundo de los videojuegos.

Y es que, aunque parece que fue ayer cuando el fallecido Iwata nos emplazaba a un E3 a más de un año vista para conocer lo que entonces se denominaba internamente "NX", lo cierto es que la portátil híbrida Nintendo Switch cumplió 7 años en febrero, el ciclo de vida útil más o menos usual en este mundillo. 

Y, de nuevo, fieles al histórico hermetismo que ha caracterizado el goteo de noticias de futuro por parte de la "gran N", el pasado martes, un simple tuit por parte de Nintendo Japón avisando del próximo Direct en el mes de junio soltaba sin más como quien anuncia cualquier nueva consola mini la bomba: el lanzamiento de "Switch 2" (si es que se llama así, teniendo en cuenta la fallida experiencia que supuso en su día Wii U) a lo largo de este año fiscal japonés, es decir, de aquí a marzo de 2025.

Una de las posibles novedades que parece que va a incorporar la sucesora de Switch es respecto a los Joy Con, dejando de lado los ya clásicos raíles, por una sujeción mediante imanes o electroimanes. 

Esto ha hecho pensar a muchos usuarios que quizás esta vez la hibrida de Nintendo pueda ser tambien jugada en vertical, y es que ya hubo adaptadores no-oficiales para poder usar la pantalla en vertical, que aunque solo valiera para un pequeño puñado de juegos, o que aproveche Nintendo para volver a reintroducir los emuladores de Nintendo DS ya presentes en Wii U (aprovechando que teníamos dos pantallas) e incluso añadir de esta manera juegos de 3DS a Nintendo Switch Online.

También ha empezado a haber rumores sobre su potencia y su hardware, poniéndola ya cerca de PlayStation 4, una pantalla de 8 pulgadas y una resolución de hasta 1080p. Habrá que ver en que quedan estos rumores, ya que, si tenemos en cuenta a su principal competidor en cuanto a potencia, la Steam Deck de Valve, observamos que su resolución máxima es de 1280x800, y es que en el terreno de las portátiles (o híbridas) no solo tenemos que tener en cuenta la potencia, si no la autonomía de las mismas. Y ahí es donde vuelve a entrar en juego el dock de Switch.

¿Será simple como en la consola original, o contará con algunas características extra que permitan cosas como por ejemplo el re-escalado a resoluciones superiores de la imagen? Con el tiempo iremos viendo más pistas sobre lo que tiene pensado Nintendo en este tema.

A la espera de tener respuesta a todas estas preguntas, hoy en Joróbate Flanders hablaremos de lo que nos gustaría ver en este nuevo sistema con el que Nintendo entra tardíamente en esta cada vez más decepcionante novena generación. Empecemos:

Mario Kart 9

En una compañía como Nintendo donde es habitual ir probando constantemente IPs nuevas a la par que otras quedan relegadas al olvido, una constante ha sido sin duda Mario Kart. 

Desde sus humildes orígenes como poco menos que una prueba técnica del modo 7 de SNES ante la imposibilidad de convertir F-Zero en un juego multijugador, ninguna consola ha dejado de tener sus propias entregas en contínua evolución: 

El temido caparazón azul en Nintendo 64, los incomprendidos vehículos dobles de Game Cube, el modo online de Wii y Nintendo DS... así como incorporar también elementos de la franquicia Diddy Kong Racing como es el de planear en ciertas zonas de los circuitos en Mario Kart 7 para 3DS. Y entonces llegó Wii U.

Una vez superada la decepción inicial de los cambios en el modo batalla (que pasaba de tener circuitos específicos a transcurrir en los de carreras, lo que lo hacía muy enrevesado) un plantel inicial de 16 personajes, otros 14 desbloqueables, y 8 campeonatos convertían de por sí a Mario Kart 8 en el título más completo que había tenido esta franquicia, con mayor sensación de velocidad que nunca. Una serie de novedades (incluyendo una cuarta cilindrada de 200cc) llegarían un año después mediante 2 DLCs.

Tras el fiasco de esta consola (lo que no impidió que el juego alcanzara unas más que respetables 8 millones de copias vendidas) Nintendo optó por sacar la típica "versión definitiva" en Switch que incluía de serie todos los personajes (junto con alguna novedad exclusiva) y circuitos de los DLCs, mejoras en el sistema de derrape, un modo automático para los jugadores menos expertos, y un modo batalla que recuperaba su esencia. 

Mario Kart 8 Deluxe se convirtió en el juego más vendido de Switch, y todavía hoy no es raro verle 10 años después de su lanzamiento inicial en los rankings mensuales. Pero esto ha sido un arma de doble filo, y es que, incluso en estas circunstancias, Nintendo ha sido fiel a la tradición de un solo MK por consola.

Así, tirando del Mario Kart Tour para móvil y los siempre recurrentes circuitos de entregas anteriores, el Mario Kart 9 que tanto se esperaba en el Direct de 2022 se convirtió en el "pase de pistas extras" que a un precio de 25€ (con la opción de disfrutarlo gratuitamente contratando el online premium) dobló el número de campeonatos de forma escalonada hasta alcanzar un total de 96 sumando los ya existentes, junto con algún que otro personaje más.

Aunque, dado el ejemplo de Grand Theft Auto 5, no se puede descartar un "Mario Kart 8 gigaluxe" en Switch 2, lo normal sería esperar que en esta consola tengamos por fin el siguiente Mario Kart, que por otro lado no sería de extrañar que tuviese otro nombre si entendemos que el Tour ya sería de pleno derecho la novena entrega por su inclusión en el lore de la franquicia principal.

Pero, ¿será del gusto de todo el mundo? Ya vimos con el ejemplo de Double Dash que los cambios no siempre son bien recibidos por el fandom, y ya en su momento (volviendo al Direct antes mencionado) todo parecía apuntar a que el nuevo rumbo de la saga podría seguir la tendencia actual del género de la conducción, sustituyendo los clásicos campeonatos por un formato de mundo abierto, quizá con un modo historia como el de Diddy Kong Racing, algo en lo que por otra parte esta saga también tiene cierta experiencia, desde los modos un jugador de Mario Kart DS a los jefes finales que a menudo encontramos en Tour. El tiempo dirá.

Retrocompatibilidad con Game Cube

La efímera pero exitosa Game Boy Advance marcó un punto de inflexión en la historia de Nintendo. Aunque por supuesto hubo no pocos títulos que aprovecharon el potencial máximo de esta portátil de 32 bits, aquella fue la primera consola que empezó a explotar la que sería una de las señas de identidad de la marca en adelante: la nostalgia.

La saga Mario Advance fue el pistoletazo de salida a todo tipo de remakes (o ports, que no se me enfade Jarm) de SNES. Aladdin (el de Capcom) , la trilogía Donkey Kong Country, A Link to the past (que incluía un segundo juego exclusivo cooperativo llamado Four Swords que seguía la estética visual de Wind Waker) o Final Fantasy IV-VI solo fueron algunos ejemplos, además de la serie "Classic NES" (que vino acompañada de una SP que imitaba el mando del sistema de 8 bits) , con clásicos como Castlevania o los 2 primeros Legend of Zelda entre otros.

Wii dio un paso más con el nacimiento de la "consola virtual". Mediante tarjetas de puntos por un módico precio, podías adquirir diversos títulos retro en formato digital no solo de SNES, NES o N64 (siendo a día de hoy la única consola donde se ha podido jugar a títulos anteriores de la saga Smash Bros) sino también de 2 consolas ajenas, que eran SEGA Mega Drive y la poco conocida aquí pero muy exitosa en Japón PC Engine/Turbo Grafx-16 de NEC, a las que posteriormente se unieron Neo-Geo, Master System y Commodore 64, formando un catálogo que se mantuvo en constante crecimiento hasta 2011.

El DVD que es como una bolsa de patatas fritas: casi todo es aire

3DS mantendría esta misma línea ofreciendo títulos en un principio de Game Boy (normal y color) NES y Game Gear, junto con 10 juegos de Game Boy Advance que fueron exclusivamente regalados a los primeros poseedores de la máquina dentro del programa "Nintendo 3DS Ambassadors" con el que la compañía pretendía dar una compensación por la importante bajada de precio al poco de salir. 

La revisión New 3DS permitiría añadir en 2016 títulos de SNES, mientras que Wii U, aunque perdía la mayoría de consolas de otras compañías, añadía en cambio una considerable colección tanto de GBA como de Nintendo DS. Se echaba de menos eso sí a estas alturas la inclusión de títulos de Game Cube, algo que en cierto modo se podía comprender en Wii (que hacía funcionar nativamente los juegos físicos de la 128 bits) , cualidad esta que ya había perdido su sucesora.

Y, con Switch, Nintendo renunció al concepto de la consola virtual sustituyéndola por una mucho más aséptica store (sin aquellas melodías de diferentes juegos que iban cambiando con el tiempo) que únicamente incluye títulos para dicho sistema más allá de los ports que se hagan dentro del mismo, destacando el polémico caso del ya descatalogado Super Mario 3D All Stars, que ofrecía al precio de 60€ 3 títulos clásicos que todavía en ese momento eran accesibles a 10 cada uno en Wii U.

Hubo que esperar hasta bien entrado el segundo año de vida (2018) de la consola para que Switch Online (la primera suscripción de pago de Nintendo después de que anteriores máquinas ofrecieran juego en internet gratuito) empezara a ofrecer juegos de NES al estilo del game pass de Xbox. Posteriormente irían llegando en 2019 los de SNES, y entre 2021-23 los de Game Boy, GBA, Mega Drive y N64, estos 3 últimos exclusivos del modelo premium.

Aunque, de nuevo, el ritmo de lanzamientos ha sido lento pero constante, sigue sin haber forma de jugar a una gran parte del catálogo de Game Cube, una consola que parece haber quedado ya asociada a una etapa un tanto extraña de la historia de Nintendo. Ojalá Switch 2 sea por fin la que acabe con el injusto olvido de la que un día fue su última "bestia".