¡Hola de nuevo! Aquí estamos una vez más sacando algo de tiempo para actualizar nuestro querido blog de Joróbate Flanders.

Hoy no hablaremos de la inesperada nueva actualización de Mario Kart World (que ofrece gratuitamente dos competiciones nuevas dentro de su curioso modo supervivencia a lo Out Run) ni de las numerosas decisiones polémicas que están rodeando una vez más al mundo del videojuego en los últimos tiempos, desde los despidos y cierre de estudios en Xbox a como el hecho de que el esperado Grand Theft Auto 6 sea exclusivamente un juego digital (junto a su correspondiente caja vacía) parece haber precipitado que Sony renuncie al formato físico, lo que ha provocado las protestas de GAME España.

En relación a las últimas noticias: se acabó nuestro silencio. #GamersUnidos pic.twitter.com/JLy3o8LE0O

— GAME España (@VideojuegosGAME) July 1, 2026

Otro mundo que vive tiempos muy convulsos (en este caso por el coste del papel) es el del comic. Hace un año, la editorial RBA anunciaba una nueva edición de la Luxury Gold Collection, la que allá por 2008 recopiló durante 40 semanas todo tipo de obras de la revista El Jueves, tanto sus clásicos como Makinavaja, Martínez el facha, Historias de la puta mili... como las novedades de aquel momento como Silvio José o las muy ácidas tiras de Carlos Areces en Ocurrió cerca de tu casa.

Si bien muchos de los tomos originales no iban a estar esta vez debido a la marcha de la mayoría de autores de la época por culpa de la autocensura de la editorial, sí cabía esperar ver las que han ido asentándose en su lugar, gran parte de las cuales todavía no han tenido aún una recopilación, siendo que además se habían anunciado en esta ocasión 60 números. Lamentablemente, la escasa acogida provocó su cancelación tras solo 3 números.

Si ya de por sí cada vez hay menos kioskos, los comics hace ya mucho tiempo que se fueron de allí, y hoy en Joróbate Flanders hablaremos de algunas de esas colecciones que nos hicieron amar la lectura. ¡Empezamos!

Dragon Ball 

Pues sí, no podíamos sino empezar por nuestro tema preferido. Y es que en 1992 el fenómeno Dragon Ball ya era imparable desde su estreno 3 años antes en Canal sur (¡llega Kai a su plataforma de streaming!) para después ir emitiéndose progresivamente en Cataluña (TV3) País Vasco (ETB) , Comunidad Valenciana (la extinta Canal 9) y Galicia (TVG) y por último ese año desembarcar en Telemadrid.

Eso sí, en los tiempos que no existía Aliexpress, no había forma de conseguir merchandising de Goku y sus amigos más allá de aquellos productos de ínfima calidad y dibujos terroríficos que ofrecían los snacks de Matutano o la revista Teleindiscreta entre otros. 

Fueron los años en que en los colegios se popularizaron las célebres fotocopias donde se reproducían páginas sueltas de Shonen Jump (en su mayor parte portadillas) que despertaban nuestra imaginación al ver personajes y sagas que nuestras televisiones estaban aún lejos de alcanzar.

"Anda, qué traje más raro lleva Goku. ¿Y por qué ha cambiado de peinado?"

El grupo Planeta (que en ese entonces, como después veremos, venía publicando desde hacía años a los superhéroes de Marvel) no tardó en descubrir la gallina de los huevos de oro, y en abril de 1992 empezaría a publicar el manga de Dragon Ball imitando el modelo americano, es decir, comics de grapa de poco más de 20 páginas (cuyas portadas imitaban los tankobon o tomos japoneses) que además se leían en sentido occidental, lo que provocaba que los dibujos quedaran invertidos. 

Pese a esto (de lo que no éramos conscientes desde nuestro desconocimiento del manga más allá de que Goku llevara su célebre kanji de la escuela tortuga en sentido contrario a como lo veíamos cada día en la tele) y a otros problemas como el extraño coloreado de algunas de las portadas (bien de nuevo portadillas o simplemente viñetas ampliadas) o la muy mejorable traducción (heredada de un doblaje que a su vez procedía del excesivamente creativo doblaje francés, como es bien sabido) la colección recibió una extraordinaria acogida. Y entonces, llegó Dragon Ball Z a nuestro país.

Pese al buen ritmo de publicación semanal, aquel formato tan limitado provocaba que aún faltarían años para poder disfrutar en el manga de la emocionante saga de los androides que se estaba estrenando en ese momento, por lo que en noviembre de 1992 Planeta lanzaría una segunda colección paralela que aún arrasaría más si cabe que la original: 

Dragon Ball serie roja (por lo que la otra pasó a ser conocida popularmente como la "blanca") que, con un número algo mayor de páginas, un formato más robusto con lomo en vez de grapa, y periodicidad quincenal (posteriormente mensual) arrancaba desde el final de la saga de Freezer con la explosión del planeta Namek y la resurrección de los guerreros Z Krilin, Chaoz, Yamcha y Ten Shin Han, con una curiosa numeración que reflejaba que aquel era tanto el Nº1 como el 154 (continuando la primera colección) dejando así claro que, al contrario que en el anime, mangas de Dragon Ball solo había uno.

 

Aunque el Nº58/211 (con una portada muy especial con letras brillantes en el título) ponía el inevitable fin en febrero de 1997 a la serie roja de Dragon Ball al abandonar Akira Toriyama la publicación del manga 2 años antes, justo en esos días Antena 3 había empezado a emitir el anime, con lo que en gran parte del país (los que no tenían televisiones autonómicas) lo conocieron en ese preciso momento, y Planeta de inmediato lanzó las series amarilla y azul, que eran retapados de la blanca y roja que se publicarían de forma semanal y quincenal respectivamente, con un formato más atractivo donde por fin las portadas tenían sus colores correctos.

Aunque hoy en día podemos disfrutar del manga de Dragon Ball en la Definitive Edition o Kazenban en 34 tomos de sentido de lectura oriental invertida prácticamente idénticos a los japoneses y una traducción mucho más fidedigna (polémicas aparte) el enorme legado que la serie blanca y roja dejaron en nuestra generación nunca se fue, y, junto a los tomos tankobon, Planeta retomó también (ya solo en tiendas especializadas) la última en su publicación de Dragon Ball Super (de nuevo, eso sí, respetando el formato japonés) que concluyó el pasado mes de marzo alcanzando los 329 números. Eso sí, sin aquellos contenidos extra que teníamos en los 90 al principio y final de cada número y que nos hicieron conocer que había un gran universo de manga más allá de la obra de Toriyama.

X-Men

Y seguimos con Planeta, en este caso con la mencionada Marvel. Y es que, tras años de estrellarse con producciones de ínfima calidad, por fin en 1998 pudieron hablarle de tú a DC en las salas de cine con Blade, para dos años después llegar al todo o nada, una ambiciosa película por la que nadie daba un duro: la primera adaptación al cine de los proscritos mutantes de la escuela de talentos de Charles Xavier.

Con un extraordinario reparto con Patrick Stewart, Ian McKellen o un entonces desconocido Hugh Jackman entre otros, X-Men fue uno de los grandes taquillazos del 2000, y, como no podía ser de otra manera, esto renovó el interés por el comic. Siendo que no es fácil saber cómo empezar a seguir las series de Marvel dados sus muchos spin offs, crossovers y eventos varios, Planeta, junto a las grapas que por entonces poblaban los kioskos, lanzó una atractiva colección dirigida a las nuevas generaciones.

De nuevo, con periodicidad semanal y 80 páginas, el coleccionable X-Men (que, como habréis podido notar en el encabezamiento, usaba tanto el título español de La Patrulla X como la tipografía del film de Bryan Singer) arrancaba desde todo un punto de inflexión en la historia de los muties, la entrada como guionista de Chris Claremont con aquel anual de 1975 donde todos los miembros originales del grupo menos Scott "Cíclope" Summers son capturados por la isla mutante Krakoa, teniendo que crear el profesor-X a marchas forzadas un carismático nuevo equipo que juntaba desde viejos enemigos de la patrulla como el escocés Banshee o el japonés Fuego Solar (primero en abandonar tras esa misión) a jóvenes inexpertos como Tormenta o Rondador Nocturno y, sobre todo, quien pasaría a ser el emblema de la franquicia: 

Logan o Lobezno, peligroso mutante inmortal nacido una vez más como antagonista episódico en las páginas de Hulk convertido en un antihéroe muy alejado del estilo naif de la edad de plata, que no tardaría en protagonizar series limitadas propias, la primera de las cuales, "Honor", fue recopilada en el tomo 24 de la colección.

Tras 45 números, este coleccionable (que abarcó sagas tan memorables como la de Fenix Oscura, los comienzos del breve arco de redención de Magneto, la "masacre mutante" en los túneles de los morlocks o la guerra espacial contra el "Nido" entre otras) quedó cerrado en otro punto y aparte de la historia de los X-Men como fue el sacrificio y resurrección en Dallas de la patrulla para poder derrotar al misterioso "Adversario" (historia esta parcialmente adaptada en X-Men´97 en Disney+) .

Su buena acogida dio pie a otros coleccionables (según iban saliendo sus respectivas películas) como Spiderman, Hulk, Daredevil o Los 4 fantásticos (e inclusive, los propios X-Men, con 12 tomos de tapa dura recopilando La era de Apocalipsis) y no fue hasta 2006 (año de la fallida X-Men 3: la decisión final) que ya Panini lanzó la continuación, que esta vez se quedó en 40 números.

Colección Olé

Y por supuesto, teníamos que hablar de lo que encabeza este artículo. Y es que, durante muchos años, hablar de kioskos era hablar de Bruguera y sus muchas revistas infantiles como Pulgarcito, Mortadelo, DDT, Din Dan, y un largo etc. 

A la publicación desde 1969 de las historias largas de Mortadelo y Filemón que desarrollaba Francisco Ibáñez para la colección Ases del humor (álbumes de tapa dura siguiendo el modelo franco-belga de Asterix o Tintin entre otras) se unió 3 años después una línea más económica: 

Hablamos como no de la Colección Olé, pequeños libros de tapa blanda de 80 páginas (que irían reduciéndose con el tiempo) que ofrecían recopilaciones de diversos personajes como Anacleto Agente Secreto (Vázquez) Rigoberto Picaporte (Roberto Segura) o Sir Tim o´Theo (Raf) si bien poco a poco la colección fue prácticamente monopolizada por los agentes de la TIA y en menor medida los incorregibles gemelos Zipi y Zape de Josep Escobar, siendo hasta el cierre de la editorial en 1986 estas dos series las que abarcaron la mayor parte de los 316 números (siendo el último un Mortadelo apócrifo, Mundial´86, con Ibáñez ya en Grijalbo teniendo que crear nuevos personajes al estar los suyos registrados por contrato por Bruguera) de forma por lo general absolutamente desordenada, sin poder saber qué es lo que ibas a encontrar en cada nuevo número. 

Los grandes hitos de esta primera etapa fueron sendas antologías de 5 números cada uno, "25 aniversario de Mortadelo y Filemón" y "Escobar, rey de la historieta" que posteriormente fueron recogidas en 2 números muy cotizados por coleccionistas de la colección Super Humor, lujosos libros de tapa dura que recopilaban los "Olés".

Con el Grupo Zeta (hoy propiedad de la multinacional Penguin) adquiriendo el fondo editorial de Bruguera, la nueva Ediciones B mantuvo hasta 1992 la antigua colección (que superó los 400 números) incluyendo a personajes como Sporty (Juan Carlos Ramis) o incluso algunos de la antigua competencia ya desaparecida como eran La familia Ulises y demás personajes de la revista TBO, para, con una transición de 15 números entre medias (con, entre otros clásicos, Barcelona´92 o El quinto centenario) pasar en 1993 al nuevo Olé, con un papel de mejor calidad y sobre todo un formato más grande, todo un acontecimiento que hasta se anunció por televisión.

Esta colección, ya exclusivamente (salvo por dos recopilatorios de 13 Rúe del Percebe) formada por Mortadelo y Filemón (junto con otras series específicas para Zipi y Zape, el torpe superhéroe Superlópez de Jan, y licencias extranjeras como Los Simpson o adaptaciones de películas Disney) se mantuvo hasta el fallecimiento de Ibáñez en 2023 recopilando todas sus historias largas tanto clásicas como nuevas (con alguna excepción) , si bien desde 1999 (Nº147, "la MIER") dejaron de incluir historias cortas extra, pasando a llevar solo la principal, concluyendo en el 221 con Mundial de baloncesto 2023, la que fuera la última historia del genial autor sin contar la inacabada París 2024.

Con el sello Bruguera Clásica centrado actualmente en ir reeditando a cuentagotas las dos líneas de tapa dura (junto a nuevos formatos como "Mi primer Mortadelo y Filemón" o las voluminosas recopilaciones en edición limitada de SD Ediciones) aún hoy es relativamente fácil encontrar números atrasados de Olé en librerías y tiendas especializadas, si bien su precio ha ido subiendo hasta los 7€ (e incluso 8 en el caso de aquellos primeros números con más páginas) dejando de ser accesible para las nuevas generaciones de lectores convirtiéndose en el producto de lujo que hoy en día por desgracia es en su mayor parte el mundillo del comic.

Como siempre, podéis opinar sobre estas o recordar otras colecciones en los comentarios.

¡Hola de nuevo! Aunque cada vez seamos más en Bluesky, Facebook y lo que jamás dejaremos de llamar Twitter, no nos olvidamos de nuestros orígenes en nuestro querido blog de Joróbate Flanders.

En todo este tiempo de ausencia, hemos tenido el inesperado anuncio de un remake (¿un mero kai o algo más?) de Dragon Ball Super que en principio arreglará las desastrosas sagas de Beerus y Golden Freezer junto al estreno por fin en anime tras casi una década de espera de la saga del mago Moro, lo que dará en un futuro nueva vida a un Sparking Zero que de por sí tendrá pronto más de 30 personajes nuevos tanto de la serie original como GT, nuevos escenarios y mecánicas, y 4 escenarios de lucha adicionales.

Pero no vamos a hablar de esto ni del polémico a la par que exitoso estreno en cines de Torrente Presidente, sino que toca volver una vez más a las plataformas de streaming. Y es que recientemente Disney Channel ha regresado a Movistar y demás operadores de cable apenas un año después de su cierre en TDT, lo que unido al nuevo auge de la piratería (si es que se había ido alguna vez) y las noticias sobre la vuelta de la generación Z o centennials al formato físico (lo cual por supuesto celebramos aquí) deja cada vez más en el aire la pregunta de si estamos ante un posible estallido a medio largo plazo de esta burbuja.

No te preocupes, tú nunca fuiste popular

Eso sí, hay muchas series que aún no están disponibles en DVD, así que retomamos hoy otra de las series de este blog, la de esas producciones que nos gustaría poder ver aunque sea en streaming, que, como podréis ver aquí y aquí, desde entonces todas ellas sí han estado disponibles en uno u otro sitio. Aunque seguramente sea mera coincidencia, ¡empezamos!

Abierto 24 horas

En una época en que la ficción española y en particular las comedias estaban encorsetadas por las imposiciones de las cadenas buscando agradar a todo el mundo siguiendo el modelo de dramedias como Médico de familia (la conocida como "señora de Cuenca") esta emitida entre 2000 y 2001 por Antena 3 era una serie muy adelantada a su tiempo.

Como indica su título, Abierto 24 horas era una sitcom que, al estilo de Farmacia de guardia, se ambientaba en un único escenario, el siempre abierto supermercado "De sol a sol" regentado por la familia Morcillo. Cuando la matriarca (interpretada por Lola Lemos) está a punto de fallecer, le exige a su caradura hija Adela (Pilar Bardem) que se case cuanto antes para poder heredar el negocio y que no lo done a un convento de monjas. Su repentino matrimonio con el artista fracasado Tito (Pedro Reyes) al ser el primero que pasaba por la tienda en ese momento provoca que la anciana sufra un infarto.

Además de este humor negro con el que ya empezaba el episodio piloto, teníamos la rivalidad de los hijos de Adela, el muy ingenuo Guillermo (Santiago Nogués) y el mujeriego Polo (Luis Merlo, en un registro muy alejado del papel de Mauri Hidalgo que tan popular le hizo en Aquí no hay quien viva) por el amor de Cris (Beatriz Rico) prometida del primero que frecuentemente le engaña con su hermano, y hasta elementos de ciencia ficción, como un flashback en que se nos daba a entender que el dependiente japonés Park (Juan Khun) llevaría trabajando en "De sol a sol" desde la posguerra sin envejecer, o las apariciones del fantasma de la abuela, primero como antagonista recurrente, y luego simplemente para dar consejos a Adela.

Tras un relativo éxito inicial, la segunda temporada (donde pasó por motivos desconocidos a llamarse "24 horas" a secas) tuvo un gran bajón de audiencia, lo que llevó a un cerrado final el 4 de septiembre de 2001 donde, en una partida de poker, Tito perdía la tienda (y con ello la vivienda sobre la misma) con uno de los clientes habituales (interpretado por Tomás Sáez, el Padre Marciano en El milagro de P.Tinto) .

Siendo que en los últimos tiempos Atresplayer ha recuperado series muy poco conocidas como ¿Quien da la vez? o En plena forma, no sería de extrañar que algún día también podamos volver a ver también esta divertida comedia donde muchos de nuestra generación conocimos a toda una leyenda del cine español como Pilar Bardem.

Buzz Lightyear of Star Command

Antes de su crisis de taquilla actual, hubo un tiempo en que Pixar (por entonces, estudio externo) era la principal referencia de una Disney que una y otra vez se estrellaba con producciones como Dinosaurio, El emperador y sus locuras o la tardía secuela de la ambiciosa para su época Fantasía. Por esto, no era de extrañar que antes o después una de las exitosas películas de John Lasseter (antes de sus, ejem, asuntillos legales) tuviera el recurrente spin off televisivo, si bien la compañía entonces propiedad de Steve Jobs no estaría implicada como tal.

Así, tras una película inicial directa a vídeo a modo de episodio piloto, el 2 de octubre se estrenaba en ABC (siendo emitida en España por Disney Channel y Telecinco dentro del programa infantil de los fines de semana "Club Disney") Buzz Lightyear of Star Command, donde por fin conocíamos las aventuras del juguete preferido de Andy (que, como en la saga de Toy Story, tiene la voz en VO de Tim Allen) como guardián estelar en permanente lucha contra ¿su padre? el malvado emperador Zurg, junto a un carismático equipo formado por el robot XR, el simpático extraterrestre Booster Sinclair, y la princesa Mira Nova, que lejos de ser la típica damisela en apuros, era una más que competente segunda al mando con poderes telepáticos.

Tras 65 episodios (contando como tales los 3 que abarcarían la película) y un videojuego para Playstation, Dreamcast y PC, Guardianes del espacio (como se le conoció en nuestro país) se despedía sin dar un final a la historia, con solo la película (hoy en día descatalogada) editada en DVD.

21 años después, Pixar (esta vez sí) estrenaría en cines la incomprendida Lightyear, ya en CGI y con un enfoque más serio de pura ciencia ficción (con el protagonista interpretado esta vez por Chris Evans) que se nos presentaba como "la película que vio Andy", si bien el hecho de la aparición de Woody, Mr.Potato y compañía en la intro de cada episodio de la serie hace que no se pueda descartar que esto también forme de una u otra manera parte del canon.

House of mouse

¡Estamos gentrificando Patoburgo! ¡Hoho!

Y seguimos con otro de los clásicos recurrentes del Club Disney. Y es que, en un intento de acercar sus personajes más emblemáticos a las nuevas generaciones, ABC estrenaba el 13 de enero de 2001 (dentro de su contenedor Disney´s One Saturday Morning) House of mouse, donde Mickey Mouse pasaba a ser el maestro de ceremonias en el local de cena con espectáculo que da nombre a la serie, con Goofy como un (como no) torpe camarero, Donald de recepcionista, y Minnie como organizadora de eventos, junto con apariciones esporádicas de personajes no tan conocidos como el ratón Mortimer (rival sentimental de Mickey) o incluso April, May y June, sobrinas de Daisy que hasta entonces solo habían salido en comics.

Entre medias de los problemas que van surgiendo en cada episodio (muchos de ellos provocados por el villano Pete Patapalo, dueño del inmueble que intenta arruinar los espectáculos para así tener un motivo para cerrarlo) se nos introducían cortos, bien (en su mayor parte) de la serie 90s Mickey Mouse Works o alguno de los clásicos de los 30, 40 y 50.

Eso sí, si por algo ha pasado hoy en día a la historia House of mouse es por los muchos crossovers que, antes de Ralph rompe internet, introducía a todo Disney en un único universo, ya que entre el público asistente podíamos ver a Blancanieves, Bella y Bestia (así como Gastón, presumiendo a menudo de que nadie hacía X cosa de la que estuvieran hablando como él) , Aladdin o incluso el gigante Willie entre otros, lo que alcanzó su culmen en el especial directo a vídeo El club de los villanos, donde, como si de un proto Once upon a time se tratara, Jafar, Garfio, Cruella de Vil, Ursula y Hades se alían para tomar el control de la House of mouse, obligando a Mickey a usar una vez más su peligroso disfraz de aprendiz de brujo.

Con sus 52 episodios aún ausentes en Disney+ tanto en España como en el resto del mundo, el nostálgico corto Once upon a studio es lo más parecido que podemos disfrutar hoy en día a House of mouse, si bien no es difícil encontrar episodios en castellano subidos en Youtube, muestra del gran legado que dejó entre los que vivimos nuestra infancia en esa época.

Como siempre, podéis sugerir otras series en los comentarios.

¡El programa con el que ya se han ido a dormir el abuelo y el niño!

¡Hola de nuevo! Aunque reconozco que cada vez nos cuesta más sacar tiempo y temas para este nuestro blog de Joróbate Flanders, no nos olvidamos de nuestros fieles lectores. 

En estos 4 meses de ausencia, la divertida y a la vez emotiva Thunderbolts se convirtió en un nuevo pinchazo de taquilla para Marvel pese a sus muy buenas críticas (¡qué podía salir mal en spoilear "eso" del final en sus redes sociales!) , Warner anunció OTRO rebranding de Max que deshacía el anterior, y tuvimos el enésimo fiasco español en Eurovisión, esta vez con una Melody que, más allá del revival millenial que podíamos tener aquí, no llamó demasiado la atención en Europa.

Pero hoy no vamos a hablar de esto, sino del estreno ayer de la tercera temporada (como pasa el tiempo) de la nueva etapa del clásico Grand Prix del verano, ahora con la humorista Lalachus sustituyendo a la streamer Cristinini en la función de co-presentadora del sempiterno Ramón García. 

Pese a que una vez más tuvo una buena acogida liderando el lunes con un 14% de share, llovieron las críticas en redes sociales no al programa (más allá claro está de los eternos nostálgicos de la prueba de la vaquilla, con el propio Ramontxu a la cabeza) en sí sino al ente público de TVE, ya que, debido a "La revuelta", un programa por definición familiar como es este terminó anoche a las 2 de la mañana, un horario más bien impropio para el público infantil por muy de vacaciones que estén.

Si bien esta semana David Broncano y sus "pachachos" terminan temporada, esta situación no parece que vaya a cambiar, ya que ya ha sido anunciado su programa sustituto para estos meses, "La garita", típico zapping veraniego que presentarán JJ Vaquero y Álex Clavero. ¿Como hemos llegado a esta situación? Empecemos, como así querría Manolito Gafotas, por el principio de los tiempos.

Corría el año 1990 cuando el monopolio de TVE y de algunas en ese momento escasas televisiones autonómicas acababa para siempre con el nacimiento de 3 cadenas privadas: Antena 3 Televisión, el ya extinto canal de pago del grupo PRISA Canal+, y Tele5. 

Es sabido que esta última (salvo quizá en los primeros años tras el rebranding a Telecinco en 1997) no ha sido nunca una cadena que se caracterice por sus servicios informativos, primando el entretenimiento y el espectáculo, y de hecho, en su primer año de emisión ni siquiera tenían noticiarios más allá del espacio de madrugada "Entre hoy y mañana" que presentaba Luis Mariñas. 

De esta forma, a las 20:30 (tradicional horario por entonces del Telediario 2 de TVE1) la cadena entonces dirigida por Valerio Lazarov emitiría el que sería quizá el primero de los muchos éxitos de su historia: el anime Captain Tsubasa, conocido entonces como Campeones, y después como Oliver y Benji. El considerable público infantil que arrastraba obligó a la pública a atrasar ya para siempre sus informativos a las 21:00.

Con esto ya teníamos un prime time, sobre las 21:30 aproximadamente, que ya resultaba tardío con respecto a otros países del entorno, aunque a fin de cuentas, en España llevábamos ya desde los años 40 con la hora mal, así que casi parecía lo natural, y a nadie le importó mucho. 

En 1998, la nueva T5 que trataba de desmarcarse de aquella imagen de destape de las Mamachicho, Cacao Maravillao y Jesús Gil rodeado de paibons en un jacuzzi en Marbella dio un paso más con la creación de la franja de "access prime time": 

El informal, programa de humor de Javier Capitán y Florentino "Flo" Fernández, que había nacido como un entretenimiento veraniego (¿recuerdan los tiempos en que el verano se usaba para probar cosas nuevas en lugar de seguir con el infoshow político de siempre? ¡Ah, los 80!) pasaría con su gran éxito a prolongarse durante 4 temporadas con sus peculiares doblajes de películas, sus personajes como "el poli risitas", "el brigadier Pepis" o el jurado de "lo que diga la rubia", y sobre todo siendo una cantera para rostros hoy habituales de la pequeña pantalla como Miki Nadal o Patricia Conde.

Después de que la caída de audiencia por culpa de los resúmenes de la primera edición de Operación Triunfo precipitara su fin, T5 emitió entre 2002-05 Pecado original, formato también cómico (aunque sin presentadores, lo que ahorraba costes) más centrado en el corazón que su antecesor sin dejar de lado tampoco la política, siendo por esto último (al menos según la versión de Paolo Vasile) que se canceló por presuntas presiones, si bien habían sufrido también de desgaste. 

Tras el verano, se siguió apostando por contenidos de access, pero de otra manera que resultó de lo más sorprendente: la segunda adaptación española de la sitcom francesa Camera Café, serie que años atrás había pasado sin pena ni gloria en Telemadrid con el título de "Café express". 

Con un reparto de lujo que iba desde el veterano Luis Varela a actores entonces desconocidos como Joaquín Reyes o Carolina Cerezuela, pasando por el siempre divertido Arturo Valls (que compatiblizaba por entonces la serie con sus labores de co-presentación y reportero en Caiga quien Caiga) aquello se convirtió en otro enorme éxito (¡llegando a protagonizar anuncios de El corte inglés!) que sirvió para que la cadena de Fuencarral empezara a retrasar el prime hasta las 22:30, primero como parche para inflar audiencias de determinadas series como "Mir" (spin off de Hospital central que no obtuvo tanta repercusión como la original) o ganar tiempo los días de fútbol, y que se convertiría en la norma, audiencias que heredaron (y hasta superaron) las disfuncionales parejas creadas por José Luis Moreno en "Escenas de matrimonio".

¿Y qué hacía A3 a todo esto? Tras intentos fallidos con programas de humor político como Mire usté (sí, amigos, Polonia nació ahí) o el paso de Homo Zapping a diario con "Homo Zapping News" (con José Corbacho haciendo de Matías Prats) , su ascenso al trono del access vendría precisamente por un descarte de su competencia: 

El hormiguero, programa de Pablo Motos que había nacido sin mucho ruido en las tardes de fin de semana de Cuatro como una adaptación de su morning show radiofónico "No somos nadie" (donde ya llamaban cariñosamente "hormigas" a sus seguidores) para después convertirse en programa diario hasta que, en 2011, tras la fusión de Cuatro y Mediaset, Vasile lo consideró un programa caro y amortizado.

A la vez que se han ido alejando progresivamente los rostros fundacionales del programa como Flipy, Raquel Martos, el "hombre de negro", Jandro... (y de acuerdo con ciertos tuits que pudimos leer la ya célebre noche de la "no-entrevista" de Broncano al campeón de motociclismo Jorge Martín, se diría que no precisamente en buenos términos) el programa iría abandonando su antiguo tono naif y casi infantil (con aquella canción que mandaba a los niños a dormir cada vez que acababa) para convertirse más en un magazine al uso (incluyendo una tertulia política habitualmente crítica con el gobierno de Pedro Sánchez) que ha ido ganando cada vez más espacio hasta que, de facto, el access ya era el prime time, y las series o películas quedaban relegadas más allá de las 11 de la noche, el horario donde en otro tiempo estaba el hoy desaparecido late night, como podemos ver en las capturas del diario Marca en 1997 que comparto cada viernes en Twitter.

Ahora, como hemos visto, es TVE1 (la misma que hacia 2015 había adquirido brevemente el compromiso de unos horarios más razonables) la que ha tratado de competir esta temporada con Motos con el fichaje de Broncano. 

Aunque La revuelta empezó terminando no tan tarde, su éxito inicial hizo que se le dieran muchos más minutos para equipararse a A3, lo que posiblemente le ha provocado desgaste en tanto tienen que rellenar en exceso determinadas secciones como aquella en que hablan con el público, siendo habituales publimoscas en que ya se anuncian programas "después de la revuelta" sin precisar un horario que posiblemente ni conozcan en primer lugar.

Y sí, se puede alegar no sin razón que hoy en día todo se puede ver en streaming. El mismo Broncano ha visto como su pujante audiencia inicial ha ido decayendo en tanto RTVE Play iba alcanzando máximos históricos de visualizaciones. 

Pero es una pena el ver como se ha ido perdiendo esa experiencia de ver la televisión en familia, aún cuando todavía sobreviven formatos como el Grand Prix que necesitan precisamente de esa forma de ver la televisión. Y la casualidad de que el único programa que sigue manteniendo un horario tradicional como es Tu cara me suena es hoy el único que llega a esa media del 20% que en otro tiempo era el mínimo exigible para mantenerse en antena, pese a las filtraciones de los preestrenos de Atresplayer.

Para más información sobre la historia reciente de la televisión en España, os recomendamos "Telepasión por los 90" de Miguel Herrero y "El libro negro de TVE" de JF Lamata. Y, como siempre, podéis opinar sobre todo esto en los comentarios.

Bienvenidos una vez más a este nuestro blog de Joróbate Flanders! Durante estas últimas semanas del auge y (no) caída del asteroide 2024 YR4 hemos tenido la excesivamente tardía secuela del Hulk de Marvel en forma de una incomprendida cuarta película del Capitán América donde Sam Wilson (Anthony Mackie) asume finalmente el gigantesco legado de su buen amigo Steve Rogers (Chris Evans) , se ha presentado el trailer de la T2 de Andor (la serie de Star Wars precuela de la película Rogue One) , y los doblajes con IA parecen estar cerca de ser una preocupante realidad.

Pero hoy no hablaremos de todo esto, sino del polarizante final que ha tenido Dragon Ball Daima, el anime póstumo del fallecido hace ya un año Akira Toriyama. Como la serie de momento solo ha sido distribuida en nuestro país en VOS en plataformas como Crunchyroll o Netflix (y determinados comentarios de algunos de los actores de doblaje parecen sugerir que este retraso se debería a un cambio de ciudad y reparto, pero ese es otro tema) y por tanto habrá no pocos fans que hayan preferido esperar para verla, aviso desde ya de SPOILERS, así que os dejamos con esta curiosa actuación de Kylie Minogue en Antena 3.

Corrían las navidades de 1997 cuando en el especial "Mangas & videogames" de Hobby Consolas, donde se podían leer las mejores obras del segundo concurso de manga de la veterana revista de videojuegos, una magnífica ilustración del personaje de Son Goku me sorprendió enormemente: resulta que después del super saiyan 3 (o "mega guerrero", como se le conocía erróneamente por entonces) que la mayoría de nuestra generación conocimos en España gracias a la película Fusión, había una supuesta cuarta transformación que desconocía por completo.

A lo largo de los meses posteriores, a base de reportajes y cartas varias en las grapas de la serie amarilla y azul (así como reediciones que de vez en cuando iban llegando a los kioskos de la anterior serie roja) fui descubriendo de donde había salido esto.

Una vez que en 1996 había terminado la emisión en Japón de Dragon Ball Z (en tanto el doblaje castellano llevaba ya más de 2 años estancado en la saga de Cell) , había empezado de inmediato una continuación que esta vez sería exclusiva de Toei para televisión, y sin supervisión de Toriyama más allá de algún diseño de personajes y varias ilustraciones promocionales. 

Dragon Ball GT (supuestas siglas de Great Touring, "el gran viaje") prometía recuperar el espíritu de la añorada por muchos primera serie, con una trama en la que Goku había sido retrocedido de forma accidental a su infancia por Pilaf, Shu y Mai usando las desconocidas y más peligrosas bolas de dragón originales de estrella negra que creó Kamisama cuando aún no se había separado de Piccolo Daimaoh, y además de extenderse no por la Tierra sino por todo el universo, si no se encuentran en un año, sería destruido el planeta en que se utilizaron, por lo que el héroe saiyan debe viajar junto a Trunks, Pan (la hija de Gohan y Videl) y el robot Giru (que, en el forzoso primer aterrizaje, se come el radar del dragón para recargar sus baterías) en la nave "Tako" de Bulma para encontrarlas.

Tras muchos rumores y preguntas sobre cuando y como se iba a emitir la serie en España (incluido, como era habitual, el típico invent man que te aseguraba en el patio del colegio que ya la había visto) por fin en los intermedios del final de la saga de Cell en verano de 1998 en el Club Megatrix de A3 veíamos este anuncio: cada 3 semanas, Manga Films (quien ya había distribuido las películas y los dos especiales de televisión de Z) lanzaría un nuevo VHS con 3 capítulos en cada cinta.

Como ya sabemos, DBGT no tuvo demasiada acogida en su día, terminando el 19 de noviembre de 1997 con tan solo 64 episodios y otro especial (donde conocíamos 100 años después a Goku Jr, el tataranieto de Pan), y en junio de 2015 (tras dos películas previas) se estrenaba (de nuevo con Toriyama junto con Toyotaro, autor del manga fan DB AF) Dragon Ball Super, que sería una nueva visión de los 10 años transcurridos entre la derrota del malvado Majin Bu y el torneo 28º de artes marciales donde Goku decide entrenar a Ub, el niño que se reencarnó del monstruo heredando su enorme ki, dando la serie anterior por descartada dentro del canon. ¿O no?

Como también ha venido ocurriendo con las precuelas de Star Wars, las generaciones que en su día se criaron con GT la han ido reivindicando, y, junto a la habitual presencia en videojuegos de Goku super saiyan 4 o villanos como Ih Shinron (el dragón malvado surgido de la corrupción de las bolas de dragón por su excesivo uso, trama extraída de un comentario casual del viejo Kaioshin cuando resucitaron a todas las víctimas de Bu) y el tsufur Baby (el único superviviente de la inteligente raza que habitaba el planeta Vegeta o Plant antes de ser invadidos por los saiyans) , los rumores, bien de una película o una continuación, habían sido constantes a lo largo de esta década de nuevos proyectos, sin que fueran confirmados o desmentidos. Y entonces, en 2023 se presentaba este intrigante trailer en el contexto del 40 aniversario de la primera publicación en Shonen Jump el siguiente año.

El hecho ya de por sí importante de que por fin conociéramos un lore tan poco desarrollado como es el mundo de los demonios que lideraba Dabra hasta ser poseido por el mago Babidi quedaba de forma inevitable eclipsado por el hecho de ver a Goku y todos sus familiares y amigos convertidos en niños, subiendo la apuesta de GT, ahora sí, de forma "oficial". 

Pero esto no se ha quedado aquí, ya que los paralelismos a lo largo de este breve pero intenso anime de 20 episodios han sido constantes, desde el equipo que forma Goku junto al agente doble Glorio y la octogenaria adolescente Panzy (que vendrían a ser la contrapartida de Trunks y Pan) a la estructura dictatorial de los 3 mundos demoniacos que gobierna el villano principal Gomah (siendo el más duro el último de ellos) similar al planeta de mercaderes de Immegga. Y, sobre todo, Goku una vez más había ocultado una nueva transformación conseguida mediante duros entrenamientos.

Después de que el misterioso anciano namekiano Neva hiciera a un agotado Goku recuperar sus fuerzas en la pelea contra un Gomah al que el oculus terciano o "tercer ojo" le otorga un ki ilimitado, volvíamos a ver después de casi 30 años en televisión al super saiyan 4, en un impactante rediseño a medio camino con la breve fusión con Vegeta del episodio 60 de GT.

Por supuesto, ahora surge la gran pregunta: ¿como encajan en Super detalles como este o que Vegeta conozca (aunque se niegue a llamarlo así) el super saiyan 3 que hasta ahora solo habíamos visto en el Raging Blast 2? Vayamos por partes.

Lo primero, hay que dejar claro que no es cierto que DB Super haya quedado fuera del canon como algunos temen y otros desean, ya que en un episodio se menciona un detalle clave, y es la existencia de 12 universos con sus respectivos dioses, siendo el séptimo donde ocurren las aventuras de nuestros protagonistas, además de un tal Rymus que, aunque con un diseño algo diferente (que puede deberse a que nunca le habían visto) bien podría ser Zeno Sama, el "Dios de todo", o su equivalente de la creación.

Pero, supongamos que nada de esto es importante. Que un día Toyotaro retoma sin más el manga de Super (ojalá que por fin con la continuación del anime, que permitiría ver por fin en Sparking Zero a personajes como Black Freezer, Granola, el hechicero genocida Moro o el "ultra ego" de Vegeta) sin que sepamos por qué no vimos tal o cual transformación, o que Shin y Kibito vuelvan a estar fusionados. Y, ¿realmente sería un problema?

Como podemos comprobar haciendo una relectura rápida, Toriyama nunca se caracterizó por un desarrollo a largo plazo, tirando más de improvisación que otra cosa. 

Por ejemplo, posiblemente nunca imaginó (aunque lo sugiriese Oolong en cierta ocasión) que el protagonista fuera un extraterrestre, siendo su cola y su transformación en mono gigante ohzaru tan solo uno más de tantos detalles pintorescos de un mundo donde vemos, como si de Bojack Horseman se tratara, a animales antropomórficos vivir entre humanos sin llamar lo más mínimo la atención (y alguno de ellos con poderes no menos inquietantes, como son el Rey conejo o Akkuman), y que uno de ellos sea el rey de todo el planeta, concepto este el de las 43 regiones a su vez que tampoco existía hasta la batalla contra Piccolo, como evidencia el curioso erróneo camuflaje que el ninja Murasaki utilizó para tratar de engañar a Goku.

En esta misma saga de la Red Ribbon se nos mencionaba que en la antigüedad existían muchas nubes Kinton hasta que desaparecieron por la creciente maldad en la Tierra para luego saber que hay una sola nube gigante en la torre de Karin, quien habría sido quien le regaló la suya a Kame Sennin o Mutenroshi, y no Kamisama como el anciano maestro inmortal dijo en su día, al que ni siquiera conoce hasta el 23º torneo, sin olvidar tramas exclusivas del anime como el falso creador del androide Nº8 o el propio supuesto origen de las bolas de dragón que Muten narra a Krilin y Lunch.

Mucho tiempo después, descubriríamos que Kamisama procedía del planeta Namek, y no tardaría en olvidarse la carta de sus padres en la extraña nave en la que llegó para explicarse que estos seres son asexuales y nacían de huevos puestos en la boca como hacía Piccolo Daimaoh, sin tener tampoco explicación de por qué este antagonista no tenía hijos namekianos sino criaturas monstruosas. Quizá por esto en Daima hemos sabido que la raza namekiana procede del segundo mundo demoniaco, con un clima idéntico al del planeta destruido por Freezer.

Y del tirano galáctico toca hablar ahora, ya que en La batalla de los dioses descubrimos que no destruyó el planeta Vegeta (solo) por odio y temor a los saiyans, sino que por encima de todo fue una misión del dios de la destrucción Lord Beerus, al que todavía ningún guerrero Z está cerca de acercarse al que sea el límite de su poder, pese a que la primera vez que el anciano Kaioh Shin habló de como le encerró en la espada Z aseguró que no era más fuerte que Bu, del que ya no sabemos si siempre existió, si fue creado por Bibidi, o se hizo en el primer mundo demoniaco, quizá siguiendo órdenes de este.

Pero, como ya desarrollamos en el artículo sobre Vegeta, ningún arco es tan definitorio de esta contínua reinvención que hacía Toriyama como el de Cell. Un villano que ni siquiera estaba planificado en primer lugar hasta que, primero el ex-editor de Jump Kazuhiko Torishima (en quien se basó el Doctor Mashirito, el archienemigo de Sembei Norimaki en Dr.Slump) y posteriormente su sucesor Yu Kondo le obligaran a renunciar como enemigos principales a los androides Nº19 y el doctor Gero convertido a sí mismo en el 20 (a los que de hecho Trunks nombra como los que había destruido su mundo futuro) para que luego el hijo de Vegeta y Bulma no los conozca porque en realidad eran los hermanos gemelos adolescentes Lapis y Lázuli o Nº17 y 18.

El propio origen de Cell resultaría de lo más inconsistente, empezando porque Trunks programase la máquina del tiempo (se especifica que se limitó a pulsar el botón de arranque) a un año antes de su primer viaje, en un momento en que estaba transcurriendo la saga de Freezer, o esa extraña frase del anime (sí, esta vez la traducción francesa acertó) de una supuesta predicción de Gero de que la Tierra quedaría destruida en 10 años. 

Y sí, ya sabéis qué viene ahora: Cell alegando que no se le podía matar mientras no fuera destruido un órgano regenerativo que tiene en la cabeza, obviando que Goku le había arrasado con un kame hame ha de centura hacia arriba, lo que se intentó arreglar en una misión secundaria del ARPG de mundo abierto DBZ Kakarot en la que es resucitado con las bolas de dragón, contestando el bioandroide cuando es interrogado sobre el asunto "¿qué te hace pensar que revelaría una información así?". También resulta un tanto confuso que de repente recupere (con más poder) el estado perfecto pese a no tener ya en su interior a la androide 18.

Queda claro pues, que, como pasa con Marvel y las continuas desapariciones y regresos de ciertos personajes como la mutante Jean Grey, en Dragon Ball nunca ha existido un verdadero canon. Lo importante es que nos sepa dar un buen entretenimiento, y, con algunos altibajos, Daima lo ha conseguido con creces.

¿Qué os ha parecido Dragon Ball Daima? ¿Se os ocurren más incoherencias? Como siempre, podéis poner todo esto en los comentarios.

¡Bienvenidos de nuevo! Aunque nos cueste sacar tiempo para actualizaciones tan periódicas como antes con nuestros hilos en Twitter y Bluesky, no nos olvidamos de los fieles lectores del blog de Joróbate Flanders.

Este mes desde las Navidades ha sido muy intenso. Mientras Mufasa y Sonic 3 (confirmada ya la cuarta parte, que por datos filtrados sobre el personaje de Amy que vimos por vez primera en la escena postcréditos parece intuir una trama de viajes en el tiempo a lo Sonic CD) se disputaban la taquilla internacional, tuvimos en Disney+ el primer episodio como tal de Los Simpson (y no los meros cortos cada vez más promocionales vistos hasta ahora) estrenado exclusivamente para streaming, y se presentó el primer trailer de la cuarta versión cinematográfica (o tercera, si consideramos que Returns pretendía ser una continuación de la saga de Christopher Reeve) de Superman, que dirigirá James Gunn (Guardianes de la galaxia) y protagonizará David Corenswet.

Y entonces, ensimismados como estábamos en nuestros habituales debates del día a día (Broncano VS Motos, el fútbol, si de verdad Fuze Tea sabe como el Nestea...) el pasado día 16, así como quien presenta una caja de cartón de 80 pavinis o la enésima suscripción online, Nintendo puso de golpe y porrazo un trailer en Youtube que hizo enloquecer al mundo de los videojuegos. Por fin llegaba la pata que faltaba en la novena generación.

Con un nombre que en el fondo sorprende por lo obvio y conservador que resultaba el ser elegido, no tenemos todavía a día de hoy demasiada información real sobre Switch 2, más allá de una pantalla más grande, unos nuevos Joy-con que ahora se conectan a la consola mediante imanes, y la inesperada primera imagen que confirmaría por fin un Mario Kart 9 que, al estilo de los F-Zero, doblaría la apuesta pasando de 12 a 24 pilotos en pista, garantizando unas carreras más locas que nunca.

Hay quien se ha quedado con ganas de más en esta primera impresión, y posiblemente no les falte razón. Tan cierto como que ese siempre fue el estilo de Nintendo. Mientras que ahora el mero naming de "Switch 2" es tan garantía de éxito como en su día Playstation 2 sentenció a SEGA y su Dreamcast por el mero hecho de existir pese a su año de ventaja, hace 10 años las cosas eran bien distintas.

En un escenario de casi monopolio de facto de Sony por el fracaso de Wii U y los tumbos iniciales de Microsoft con Xbox One, Satoru Iwata hacía en marzo de 2015 la que sería su última aparición pública. Además de presentar la incursión de la "gran N" en los dispositivos móviles (que no ha sido tan grande como cabía esperar entonces, pero sí de lo más interesante) anunció lo que entonces se llamaba en clave "NX" emplazando para el E3... del siguiente año.

Los rumores fueron de todo tipo, pero desde el principio se intuía que aquel nuevo invento, aquel "todo o nada", sería una evolución de lo que se había quedado a medio camino en la incomprendida sucesora de la muy exitosa Wii y su "mando tablet". Un sistema híbrido con el que ser a la vez el comodín de los usuarios de consolas de sobremesa y seguir reinando en las portátiles como ya se hacía desde el lejano 1989 con Game Boy.

El secretismo también fue la seña de identidad en los tiempos en que la política de Nintendo era opuesta a la de ahora, el de aspirar a "bestias" que fueran "tecnológicamente superiores". Así, desde 1993, mientras SNES y Mega Drive disputaban la guerra de los 16 bits, y tras romper con Sony su acuerdo para desarrollar un addon de juegos CD que ya entonces se iba a llamar Playstation, fueron administrando muy a cuentagotas la información del "Project Reality" que estaban desarrollando con Silicon Graphics. Una consola que sería sobre el papel más potente que PSX o SEGA Saturn y que además tendría un precio de lanzamiento más reducido.

De los muchos errores que se cometieron con Nintendo 64 como el del cartucho ya se ha hablado largo y tendido, y aunque en el mercado estadounidense pudieron salvar los muebles (gracias sobre todo al éxito de los títulos de Rare como Goldeneye o Banjo Kazooie entre otros) en Japón y Europa la respuesta fue menos entusiasta, quedando en unas 32 millones de unidades vendidas, por encima de su antigua rival SEGA pero muy lejos de las 100 de Sony.

Tocaba pensar en el futuro, y en 1999 ya se anunciaba la colaboración con IBM y Panasonic para una nueva consola que en ese momento se llamaba "Dolphin" (como ya había insinuado Rare a través del crossover de su antiguo personaje Sabre Wulf en Banjo Tooie) y no fue hasta bien entrado el 2000 cuando por fin se pudo ver como tal Game Cube (junto con, por fin, la sucesora de Game Boy, Game Boy Advance) en su extinta feria interna Space World en Japón junto con unos pocos juegos en fase muy inicial, varios de los cuales jamás verían como tal la luz.

Aunque esta vez sí se adoptó un formato óptico (aunque, de nuevo, fiel a su estilo, con mini DVDs propios) Game Cube posiblemente fue víctima del pasado de la propia compañía, y salió demasiado tarde, con PS2 más que asentada (y habiendo reducido considerablemente ya su desorbitado precio inicial) y con Microsoft a punto de irrumpir con la primera Xbox. 

El inicial entusiasmo de las third parties (especialmente sensacional fue el anuncio por parte se Capcom de la exclusividad temporal de la franquicia Resident Evil) no tardaría pues en caer, y las ventas se quedaron en unas muy exiguas 21 millones de unidades.

Ahora ha quedado para la historia el como Nintendo comprendió que era imposible competir en la guerra tecnológica, y que con Wii y Nintendo DS decidieron explorar nuevos mercados. Pero ver el panel del E3 (sí, ese en el que el bueno de Reggie quería patear traseros) de 2004 hoy en día (que, gracias a la gente de Blogtendo, tenéis traducido al castellano en Youtube) ofrece una lectura muy diferente por parte de la compañía.

Sí, ya se hablaba de una "revolución" (Revolution era el nombre en clave de la siguiente consola) pero a la vez no se atrevían a jubilar la marca Game Boy, siendo NDS considerado "un tercer pilar", e incluso parecían querer aparentar que a Game Cube todavía le quedaba más cuerda de lo que realmente tenía, con la presentación de Twilight Princess, que aún tardaría mucho en confirmarse también en Wii. 

Ya fuera porque no se fiaban del todo de lo que se estaba preparando y no querían cerrarse la puerta a intentar de nuevo competir en igualdad de condiciones con Playstation 3 y Xbox 360, o porque no querían decir más de la cuenta por si el "casual game" no era bien recibido de entrada, el caso es que, de nuevo, sabíamos más bien poco.

Así pues, guste más o menos, Nintendo siempre ha anunciado igual sus consolas. Unas veces mejor y otras peor, nunca cambiará, y les deseamos desde aquí toda la suerte del mundo. Los jugones lo agradeceremos. Como siempre, podéis opinar en los comentarios.

¡Hola de nuevo! Tras nuestro parón por el puente de la Constitución, regresamos un sábado más a nuestro blog de Joróbate Flanders. No hablaremos en esta ocasión del ya confirmado final del universo de villanos de Spiderman de Sony tras Kraven el cazador, ni de la consumación una vez más por parte de la compañía nipona del milagro de los panes y las PS2, sino de uno de los últimos estrenos de nuestros amienemigos del streaming, en este caso una plataforma de la que no habíamos comentado nada hasta ahora. Pero antes, retrocedamos a tiempos prepandémicos, al año 2019.

Antes incluso de estrenarse (sí, inaudito opinar de algo antes que verlo, jamás había pasado) ya se daba por hecho el enésimo fiasco en el siempre complicado subgénero de las películas basadas en videojuegos. 

Lejos de lo que pueda parecer hoy en día, no convencía que Jim Carrey fuese a ser el doctor Ivo Robotnik o Eggman en el que sería el salto al live action de Sonic, pero sobre todo no gustaba el un tanto feo diseño realista del erizo azul (con voz de Ben Schwartz en la VO) que supuso un nuevo fenómeno de review bombing en Youtube.

Con ya toda la maquinaria del marketing en marcha (lo que descartaría las siempre recurrentes teorías de la conspiración al respecto) Paramount Pictures decidió dar marcha atrás, moviendo el estreno que inicialmente estaba fijado en noviembre de 2019 a febrero de 2020 el estreno de Sonic: la película, con tal de darle un diseño más cercano al de los videojuegos (lo que supuso un sobrecoste de 5 millones de dólares) y, entonces, se hizo el milagro. Ahora de repente todo el mundo quería ver el primer live action de SEGA, convirtiéndose en el último gran éxito de taquilla anterior al confinamiento. Por supuesto, avisamos de que a partir de aquí habrá SPOILERS.

Mientras que el "Ugly Sonic" tuvo su particular arco de redención en forma de un divertido cameo en Chip y Chop: los guardianes rescatadores (estreno directo de Disney+) la pregunta ya no era si habría secuela, sino cuando. 

Apenas hubo que esperar a abril de 2022 para ver Sonic 2: la película, que incoporaba a la peculiar familia formada por el erizo y el matrimonio de Tom "Lord Bollo" (James Marsden) y Maddie Wachowski (Tika Sumpter) al zorro Miles "Tails" (Collen O´Shaughnessey) , ya brevemente aparecido en la escena postcréditos de la primera parte, y Knuckles el echidna (Idris Elba) quien, como ocurrió en el correspondiente videojuego, empieza siendo un enemigo de Sonic para posteriormente unirse a él tras descubrir que un completamente enloquecido Eggman (tras más de un año atrapado en el lejano planeta Champiñón) le ha utilizado para obtener la esmeralda maestra y así poder hacer invencibles a sus ya peligrosos drones militares.

Dentro de dos semanas (25 de diciembre) podremos ver la esperadísima ¿conclusión? de esta saga, con la incorporación de Keanu Reeves como el antihéroe Shadow, y el inesperado regreso del ya retirado Jim Carrey, en lo que será la primera vez en su carrera que aparezca en 3 entregas de una misma película. 

A la espera de esto, la plataforma Paramount+, estrenó el pasado 26 de abril los 6 primeros episodios de una serie televisiva spin off protagonizada por Knuckles, que en nuestro país han sido emitidos de forma escalonada por Sky Showtime (así como Movistar+, con quien mantiene un acuerdo desde finales de 2023) con 3 episodios el 3 de agosto, y los 3 restantes el 14 de septiembre. 

Knuckles arranca justo en el punto donde terminó Sonic 2, con el guerrero echidna siendo incapaz de adaptarse a su nueva vida pacífica en la Tierra. Tras una visión fantasmal de Pachacamac (Christopher Lloyd) el antiguo jefe de su tribu, Knuckles trata de entrenar a Wade Wipple (Adam Pally) el torpe ayudante de sheriff que ya conocimos en las películas de cara a un campeonato de bolos en Reno que le hará reencontrarse con Pete "Pistola" (Cary Elwes) su padre, que abandonó a su familia siendo Wade un niño para centrarse en su carrera deportiva.

La salida de Knuckles del pequeño pueblo de Green Hill llama la atención una vez más de la agencia militar GUN, y dos de sus agentes (interpretados por Ellie Taylor y Scott Mescudi) tratan de atraparlo por su cuenta a cambio de una generosa oferta de un nuevo villano simplemente conocido como "El comprador" (Rory McCann) un hasta ahora desconocido secuaz de Robotnik que intenta obtener el poder del echidna, uniéndose a su vez a la persecución Jack Sinclair (Julian Barratt) el capitán del ya ex-equipo de bolos de Wade que se gana la vida como cazarrecompensas.

¿Es imprescindible ver esta serie de cara a Sonic 3? En principio da la impresión de que no, siendo más una suerte de remake de la película original, repitiendo al pie de la letra gran parte de la estructura de la misma. Pero resulta de lo más divertida que ver, con una pareja que casi resulta tan carismática como la de Sonic y Lord Bollo, y unos secundarios a la altura.

También cabe destacar la BSO, con muchos buenos temas de los 80 y 90 ("melocotonazos", como se dice en el una vez más acertado doblaje español) recopilados en los CDs que compartían Wade y su padre, lo que en cierto modo hace recordar al "Awesome Mix" de Peter Quill (Chris Pratt) a lo largo de la saga de Guardianes de la galaxia.

Como siempre, podéis opinar en los comentarios.